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Arnold Schönberg – Pierrot lunaire – Alda Caiello – Prazák Quartet – Suite op.29

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Arnold Schönberg – Pierrot lunaire – Alda Caiello – Prazák Quartet – Suite op.29

Arnold Schönberg - Pierrot lunaire - Alda Caiello - Prazák Quartet
Arnold Schönberg – Pierrot lunaire – Alda Caiello – Prazák Quartet
Cela fait toujours bizarre, 100 ans après la création, de cataloguer cet article sur Pierrot lunaire en « musique contemporaine ». Il s’agit du 6e volume de l’intégrale de la musique de chambre d’Arnold Schönberg chez Pragadigitals, réalisée principalement par les membres du quatuor Prazák. C’est d’ailleurs le nouveau premier violon de l’ensemble,  Pavel Hůla, qui supervise la suite op. 29, que nous ne commenterons pas ici.
Pour se sentir en terrain de connaissance, ayant déjà eu l’occasion de m’entretenir avec celui-ci, j’ai confronté cette nouveauté avec la version qu’en donna Peter Eotvös avec mon ancienne amie et très grande artiste Phyllis Bryn-Julson (RCA – 1993) ; j’en propose ci-dessous le 1er lied dans les deux versions.

Pierre Barbier résume bien l’histoire de l’interprétation de ce cycle de 21 poèmes en citant Marya Freund ou Helga Pilarczyk et soulignant que tant Maderna que Boulez se sont tournés vers le chanté plus que vers le parlé. Les notes de la ligne de chant existent pourtant bel et bien, Schönberg n’a jamais été vraiment clair sur le sujet – apparemment, seul le premier poème présente une fois dans la partition les indications « gesungen » puis « gesprochen » (à trois notes d’écart…) mais c’est tout.

Quand on est assez réfractaire au caractère un peu ectoplasme du mélodrame, que l’on goûte peu le genre cabaret façon Weill et que l’on est vraiment peu concerné par les poèmes horriblement datés d’Albert Giraud, genre Gustave Moreau de la poésie, on s’attelle à l’écoute et l’on est (re) pris par la qualité et l’inventivité de la partition.

On était de plus inquiet en lisant le nom de la chanteuse : elle chantait la dernière partie de la version originale de la Suite lyrique d’Alban Berg avec les Prazák à la Cité de la musique il y a bien un an, me laissant une impression plus que mitigée.

Ayant réussi à occuper l’espace dédié à la chaîne Hifi  en mettant ce disque pour l’écouter en SACD plutôt qu’au casque sur l’ordinateur, ma fille est partie en déclarant cela horrible, et ma femme – qui a l’oreille absolue – déclara que c’était chanté faux de bout en bout. On comprend que, 100 ans après, çà dérange toujours…

Et bien j’ai été emballé par l’interprétation. Je trouve que la prise de son est un poil trop réverbérée, mais c’est tout de même excellent, avec de l’ambiance. On ne se croit pas en studio grâce à la prestation de la chanteuse/diseuse. C’est chanté (pas faux autant que je puisse en juger) et c’est très caractérisé, très théâtral en même temps. Quel talent et quel tempérament ! L’interprétation globale  – instrumentalement magnifique – est plus dans l’affect que dans le strict respect des nuances de la partition, mais qui s’en plaindrait, tellement c’est vivant ?

La comparaison (ci-dessous Monderstrunken dans les 2 interprétations) est frappante avec la version de Phyllis Bryn-Julson : peut-être plus juste en hauteur (elle chantait assez souvent des partitions en quarts de ton*), cette dernière est tout de même plus univoque, et son allemand moins sonnant.

Phyllis Bryn-Julson
Phyllis Bryn-Julson
Alda Caiello
Alda Caiello

Richard Kurth, dans un article sur le Pierrot lunaire paru dans l’excellent ouvrage « The Cambridge companion to Schoenberg » ose un parallèle souvent éclairant entre certaines parties de l’oeuvre et des « échos de Schumann dans les ombres de la tonalité » à propos des Liederkreis de Robert Schumann ; par exemple, à propos de  Monderstrunken, il fait le parallèle avec Mondnacht, le n°5 des Liederkreis, que voici par DFD et Brendel : 

* Elle me racontait, que chantant sous la direction de Bernstein, alors qu’elle était alors la chanteuse préférée de Boulez, Bernstein n’arrêtait pas de lui dire qu’elle chantait un peu faux…

 One feels weird, 100 years after the creation, to catalogue this article about Pierrot lunaire » in “contemporary music”.

It is the 6th volume of the integral of the chamber music by Arnold Schönberg at Pragadigitals, realized mainly by the members of the Prazák quartet.

I confronted this new issue with the version that gave Peter Eotvös with my former friend and great artist Phyllis Bryn-Julson (RCA – 1993); I propose below the 1st song in the two versions.
Pierre Barbier summarizes well the history of the interpretation of this cycle of 21 poems by quoting Marya Freund or Helga Pilarczyk and stressing that Maderna or Boulez turned towards more singing than speaching.

Notes for the singing line exist indeed, Schönberg having never been really clear on the subject – apparently, only the first poem presents in the score the indications “gesungen” then “gesprochen” (with an interval of three notes…) but it is all.

When one is rather refractory to the ectoplasm character of the melodrama, doesn’t appreciate Weill’s cabaret music and is really little concerned with the old-fashioned of Albert Giraud, sort of Gustave Moreau of poetry, we harness with listening and are taken by the quality and the inventiveness of the partition.

We were rather anxious reading the name of the singer: she sang the last part of the original version of the Lyric Suite by Alban Berg with the Prazák in La Cité de la musique in Paris well a year ago, leaving me an impression more than mitigated.

Having succeeded in occupying the space dedicated to the stereo by putting this disc to rather listen to it on SACD rather than with a helmet on the computer, my daughter left, declaring it was horrible, and my wife – who has absolute pitch – declared that it was sung false from the beginning to end. It is understood that, 100 years afterwards, it still disturbs…

I have been amazed by the interpretation. I find that the sound recording is a little bit too much reverberated, but it is excellent nevertheless.

One does not believe oneself in a studio thanks to the singer/ monologuist. It is sung (not out of tune as far as I can judge) and it is much characterized, very theatrical at the same time. What a talent and what a temperament! The total interpretation – instrumentally splendid – more in the affect than in the strict respect of the nuances of the partition, but which would complain, so much it is alive?

The comparison is striking with the Phyllis Bryn-Julson version: perhaps more in tune (she rather often sang partitions in quarter tones), it is a little bit monotonous, and the German is less good.

Richard Kurth, in an article on Pierrot lunaire published in an excellent book « The Cambridge companion to Schoenberg » draw a parallel between some part of Pierrot and « echoes of Schumann in the shadows of tonality » with the Liederkreis by Robert Schumann ; for example, for  Monderstrunken, he makes a parallel with Mondnacht,  n°5 of Liederkreis, which you can listen to on the left by DFD and Brendel.

The Cambridge companion to Schoenberg
The Cambridge companion to Schoenberg
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Orchestral Hi-Fi & dopamine

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Orchestral Hi-Fi & dopamine

Stokowsky - Rimsky-Korsakov - Russian Eastern overture
Stokowsky – Rimsky-Korsakov – Russian Eastern overture

Cela a été récemment prouvé : comme avec les drogues ou la nourriture, la musique peut générer chez certains la circulation de dopamine, « neuromédiateur du plaisir et de la récompense ». Chez moi, cela se traduit, au disque ou lors de concerts exceptionnels – et pas seulement orchestraux -, par la génération de frissons du crâne aux doigts de pieds…

Si la littérature au sujet de la dopamine insiste sur le plaisir lié à l’attente de la récompense de retrouver des effets connus, çà peut marcher aussi avec des œuvres jusque-là inconnues, par exemple avec la découverte d’un inédit de Karl-Amadeus Hartmann par Kubelík : les Hymnes symphoniques. Sans doute l’émotion de retrouver mêlés les styles de Stravinsky et de Berg…

Pour en rester à l’orchestre reproduit sur une chaîne Hi-Fi, je voulais illustrer ce propos par deux monstres sacrés de la direction d’orchestre, Stokowsky et Svetlanov ; deux interprètes qui ont pu paraître parfois outranciers, le 1er surtout, mais qui ont laissé quelques enregistrements très « dopamine » ; Svetlanov nous a donné à Paris nos plus beaux moments de concert, même si çà ne « marchait » pas à tous les coups. C’était un spécialiste du crescendo fffff  : dans certaines œuvres, la salle vibrait tant que l’on croyait que l’on allait s’envoler…
Ici, la fin du Poème de l’extase…

(ne pas manquer non plus son interprétation délirante d’Islamey de Balakirev, que l’on peut trouver sur Youtube… ou ses symphonies de Tchaikovsky chez Canyon).

Quant à Stokowsky, ici la Grande Pâque russe avec l’orchestre symphonique de Chicago (1968) avec un superbe effet de soufflet :


Cf. aussi, par exemple, ses magniques Images de Debussy avec le LSO chez EMI.

Enfin, encore un peu de dopamine avec le 3e mouvement de la 9e de Mahler par Kubelík en concert à la Bavaroise en 1975, certes bien moins bien enregistré :

J’ajoute évidemment (31/10/12) la récente réédition du Tricorne par Ansermet chez Praga Digitals, ici pas besoin d’extrait, il faut se précipiter pour l’acquérir et l’écouter en SACD… en plus ce n’est pas cher.

 
Svetlanov - Scriabine - Le poème de l'extase
Svetlanov – Scriabine – Le poème de l’extase

That was recently proven: as with drugs or food, the music can generate circulation of dopamine, “neurotransmitter of the pleasure and the reward”. For me this results, on Hi-FI or sometimes in exceptional concerts – and not only orchestral -, by the generation of shivers from cranium to the toes… If the literature about the dopamine insists on the pleasure related to waiting the reward of finding known effects, that can go also with works previously unknown, for example with the discovery of a new work of Karl-Amadeus Hartmann by Kubelík: Symphonic Anthems. Emotion probably linked to discover a work which blends wonderfully the styles of Stravinsky and Berg…
To remain with orchestra reproduced on a hi-fi system, I wanted to illustrate this matter by two superstars of conducting, Stokowsky and Svetlanov; two interpreters who could appear sometimes exaggerated, 1st especially, but who left some very “dopamine” recordings; Svetlanov gave us in Paris our more beautiful moments in concerts.
He was a specialist in fffff crescendo: in certain works, the room vibrated as much as it was believed that one was going to fly away… Here, end of the Poème de l’extase… (not so clean as for Abbado or Boulez, but who cares ?)

(not to miss either its delirious interpretation of Islamey de Balakirev, which can be found on Youtube… or his symphonies of Tchaikovsky for Canyon).

As for Stokowsky, here Eastern Russian Overture with the Chicago symphony orchestra (1968): (rather clean)

Cf. also, for example, his magic Images by Debussy with the LSO for EMI.

Lastly, still a little dopamine with the 3rd movement of Mahler’s 9th with Kubelík in concert with the Bavarian in 1975: (not so clean as Haitink or Boulez, but who cares again?)

Of course I will add (10/31/12) the Three cornered hat by Ansermet at Praga Digitals: the best reissue I have heard for years; no excerpt here for this very famous session, just get it and listen to it on a SACD device… (bargain price moreover).
 
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Philippe Manoury – Fragments pour un portrait – Sonate 1

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Philippe Manoury - Fragments pour un portrait

Ensemble intercomtemporain – Susanna Mälkki

Francis Bacon Study after Velázquez's Portrait of Pope Innocent X
Francis Bacon (Study after Velázquez’s Portrait of Pope Innocent X,…)
 

Né en 1952, Philippe Manoury est un des plus importants compositeurs français vivants.

Dans le cadre d’une série cherchant à faire découvrir la musique contemporaine aux mélomanes de bonne volonté, voici une excellente introduction à ce compositeur, avec ces « Fragments pour un portrait ».

Une des multiples préoccupations de Manoury est la notion de « work in progress » (il cite volontiers Francis Bacon) chère à Pierre Boulez ; au sujet de cette œuvre, il déclare : « La totalité [des 7 mouvements] devrait tendre vers l’émergence d’un « portrait », d’une image musicale qui, je l’espère, devrait apparaître en filigrane sur l’ensemble de ces pièces. » cf. son commentaire de l’œuvre.

On trouvera sur son site des extraits de chacun des 7 mouvements.

Comme pour Gruppen de Stockhausen ou Le sette chiese de Mantovani, l’œuvre est pour plusieurs ensembles instrumentaux (3 ici).

Chemins fait penser aux introductions du Sacre, on trouvera des « accelerando-diminuendo » à la Berg, etc., tout cela donnant une musique très vivante, rythmée, colorée. 

Born in 1952, Philippe Manoury is one of the foremost actual French composers.

In our series seeking to let music lovers discover contemporary music, this is an excellent introduction to the composer, with these « Fragments for a portrait ». 
One of the many concerns of Manoury is the notion of « work in progress » (he cites Francis Bacon) ; about this work, he said: « all [of 7 movements] should tender towards the emergence of a « portrait », a musical image which, I hope, should appear in watermark on all of these parts. »   
Extracts of each of the 7 movements on his Web site. 
As in Stockhausen’s Gruppen or Le sette chiese by Mantovani, the work is for several instrumental ensembles (3 here).  Chemins makes you think of the introduction of the Sacre, you can discern « accelerando-diminuendo » as Berg, aso… this giving a very lively, rhythmic, colorful music.
Philippe Manoury - La ville [...première sonate...]
Philippe Manoury – La ville […première sonate…] Jean-François Heisser

 « La ville […première sonate…] » date de 2002. Ce n’est pas une sonate même si l’oeuvre dure près de 36′, puisqu’elle comporte pas moins de 19 mouvements…

Dans la plaquette du SACD (superbe prise de son), l’auteur évoque de façon presque onirique les correspondances entre sa récitation mentale de la Sonate de Liszt et les images perçues lors de sa déambulation dans le vieux quartier praguois de Malá Strana. Il évoque aussi des procédés de Berg, tels que certains morceaux rétrogrades inversés. C’est ce qui donnera la structure de l’oeuvre.

Citons-le : « C’est sur le principe des « formes différées » que s’articule cette œuvre. Des éléments monodiques (lents et méditatifs), des résonances harmoniques, des échelles sonores descendantes, des « toccatas », des « fugues » s’entremêlent les uns aux autres dans une forme dirigée distribuée symétriquement par rapport à un centre. Cette symétrie effectue un retour en arrière, comme si l’œuvre devait revenir à son point de départ. Mais il s’agit d’une fausse symétrie (le parcours global n’est pas inversement identique) que vient perturber de vraies symétries, (il arrive que des bouts de parcours reproduisent un cheminement voisin du précédent). Le centre est polarisé sur une note pivot (ré) qui s’impose peu à peu depuis le début et s’incarne dans un grand silence avant que l’œuvre ne semble revenir à son point de départ. »

Un certain ésotérisme semble poindre ici, mais en fait cette œuvre est très vivante. Elle gagne à être lue sur un ordinateur : on s’évade ainsi de la linéarité d’écoute pour comparer un à un les mouvements en miroir… déformé. 

Extrait

 recording), the author evokes in an almost dreamlike way the correspondences between his mental recitation of the Sonata of Liszt and the images perceived during his wandering in the old Prague area of Malá Strana. It evokes also Berg’s processes, such as certain reversed and retrograde pieces. This will give the structure of work. Let us quote him: “It is on the principle of the “differed forms” that this work is articulated. Monodic Elements (slow and meditative), harmonic resonances, downward sound scales, “toccatas”, “runnings away” intermingle the ones with the others in a directed form distributed symmetrically compared to a center. This symmetry carries out a return behind, as if work were to return to its starting point. But it is about a false symmetry (the total course is not conversely identical) which comes to disturb true symmetries […]. The center is polarized on a note pivot (D) which is essential little by little since the beginning and is incarnated in a great silence before work does not seem to return to its starting point. “ A certain esotericism seems to come up here, but this work carries a very lively listening. It gains being read on a computer: one escapes thus from the linearity of listening to compare the movements one by one on the two sides of the mirror … deformed.

Excerpt

 
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Bruno Mantovani – Le sette chiese

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Bruno Montovani - Le sette chiese
Bruno Montovani – Le sette chiese

Ensemble intercomtemporain – Susanna Mälkki

 

Un compositeur majeur de notre temps de 38 ans, à la tête d’un catalogue imposant. Philippe Jordan a créé à Paris son Concerto pour violon en février dernier ; quand on connaît l’exigence de ce chef vis-à-vis des partitions contemporaines…
Une œuvre réjouissante, voire jouissive au niveau des sonorités : Le sette chiese (« Les 7 églises ») fut créée en 2002 à Strasbourg sous la direction de Jonathan Nott.
L’œuvre emploie quatre groupes (« deux ensembles quasiment symétriques fonctionnant généralement dans un principe d’antiphonie, plus un trio formé des instruments les plus graves au fond de la scène, et six musiciens disposés en arc de cercle et en hauteur »). On ne discerne pas évidemment cette disposition en simple stéréo.

Pour la description de ces 9 pièces, on se référera bien sûr aux propos de l’auteur (+extraits de l’œuvre).

On n’indiquera ci-dessous que nos rapides impressions à l’écoute de l’œuvre, destinées simplement à inciter à la découverte. Au fait, ne pas confondre Bruno Mantovani et Annunzio Paolo Mantovani, chef d’orchestre de musique légère !

A major composer of our time – 38 yo – having already composed numerous works.

A gratifying work with splendid sonorities: Le sette chiese (« seven churches ») was created in 2002 in Strasbourg under the direction of Jonathan Nott.
The work employs four groups (« two almost symmetrical sets operating generally in a principle of antiphony, plus a trio formed of the instruments the most serious at the bottom of the scene, and six musicians arranged arc of circle and height »). This is unfortunately only simple stereo.

For the description of these 9 pieces, refer of course to the words of the author (+ excerpts).

We indicate below our quick impressions, simply willing to invite to the discovery. Just don’t confuse Bruno Mantovani and Annunzio Paolo Mantovani, a famous conductor of light music!

I – La piazza Santo Stefano

I – The Piazza Santo Stefano

Des ostinatos, des fulgurances aux vents, des éclats de percussions donnent effectivement l’impression d’une vie grouillante devant l’église.

Ostinatos, searing winds, percussion fragments actually give the impression of a bustling life in front of the Church.

L’église de Saint Jean-Baptiste

The church of San Giovanni-Battista

La première partie est un long crescendo, très dynamique, suivi d’un épisode mystérieux, avec de nombreux micro-intervalles, de multiples interventions solistes, bois ou cordes, le tout dans une atmosphère très fourmillante.

The first part is a long crescendo, very dynamic, followed by a mysterious episode, with many micro-intervals, multiple soloist interventions, wood or string, all in a very lively atmosphere.

La crypte 

The crypt

Cette partie reprend un peu l’esprit de la précédente, avec des babillages de la clarinette, puis du violon sur de nombreux traits secs, rapides et aigus. On pense à des envolées d’oiseaux ou des nuées d’insectes lumineux. Quelques références au grégorien à la fin donnent un tonalité religieuse à cette pièce.

This part takes a little spirit of the previous, with babblings of the clarinet and violin, dry, fast and acute. One thinks of birds flights orf luminous insects. A few references to Gregorian chant at the end give a religious tone to this piece

La basilique du sépulcre 

Tomb basilica
 

La pièce la plus longue (9’24 »). Une longue séquence aux pianos et percussions sourdes évoque l’obscurité de l’endroit, l’apparition du violon puis de flûtes suraigües amène la 2e partie sensée illustrée la lumière éclairant les reliques présentes dans un dynamisme croissant et virtuose jubilatoire.

The longest piece (9’24 « ). A long sequence of pianos and low percussion refers to the darkness of the place, the appearance of the violin and super acute flute brings to part 2 illustrating the light illuminating the present relics in a growing dynamic and exhilarating virtuoso.
   

II – Basilique des Saints Vital et Agricola

 II – Basilica of St. Vitale and Agricola 
 

Dédiée à Olivier Messiaen, la pièce s’ouvre effectivement par un superbe choral de cuivres suivi d’un trio de percussions peut être un peu convenu.

Dedicated to Olivier Messiaen, the piece opens effectively by a superb brass Chorale followed by a trio of percussion.

La cours de Pilate

 Pontius Pilate court 
 

On retrouve des éléments de l’environnement extérieur utilisés dans la 1e partie.
Çà  fait un peu du Messiaen / Ligeti en plus percussif.

There are elements of the external environment used in the 1st part. Here is a little of Messiaen / Ligeti in a more percussive way.

L’église du martyrium

 Martyrdom Church
 

Une visite des 5 chapelles de l’église avec une fin militaire.

A visit of the 5 chapels of the Church with a military end.

Le cloître

 The Cloister
 

L’auteur ne se départit pas de son unité de langage, qui peut tout de même devenir lassante dans cette longue œuvre. On notera que l’ensemble des pièces se trouve unifié par de fréquentes apparitions de séquences au piano : notes arpégées croissantes suivies de notes pointées dans l’aigu.

The author does not quit his language unity, which can become tiresome in such a long work. It should be noted that all of the pieces is unified by frequent appearances of sequences at the piano: growing arpeggios followed by notes plotted in the treble

La chapelle du bandeau

 Chapel of the Congregation of the Virgin Mary
 

C’est la visite du musée de l’édifice qui permet à l’auteur de faire en quelque sorte un récapitulatif de la visite. Pièce plus tendue et assez forte émotionnellement.

Bonne visite en compagnie de superbes virtuoses, chef compris(e)…

This is the visit of the Museum of the building which allows the author to make in a way a summary of the visit. Played tenser and quite strong emotionally.

Good visit in the company of stunning Virtuosi, conductor included.
Découvrir la musique contemporaine, Livres

Arnold Schoenberg – Quatuors – Quartets

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Edited by Severine Neff – Norton critical scores
W. W. Norton & Company, Inc. – 2006 – 340 p.

 

Pour les anglophones, mentionnons l’existence de cette très intéressante série (16 autres titres disponibles).

L’ouvrage fournit la partition complète du quatuor, son contexte historique (et personnel : Schoenberg était trompé par sa femme, dont l’amant sera plus tard amené à se suicider), une analyse détaillée et des documents de l’auteur, d’interprètes, de critiques de l’époque, etc.

… et à écouter dans la version des Pražák (1997 – dans sa configuration avant le remplacement de Václav Remeš par Pavel Hůla en 2010), avec la soprano Christine Wittlesey.

 

On signalera également la version rayonnante par les Pražák du quatuor n°4, op. 37. Voilà une œuvre plus immédiatement accessible pour qui est habitué aux derniers quatuors de Beethoven. La structure de chaque mouvement est plus simple et le traitement de la série permet de nombreux pôles tonals. Ajoutons que l’œuvre est presque souriante ! et que la prise de son est d’une absolue limpidité.

 

We would like to draw attention here on this superb collection (16 other titles available).

This books include the entire score, its historical context, a detailed analysis, and commentaries by the composer, his students and contemporaries (Mahler for example who declared having great difficulty to understand this score…).

.. to be listened to in the Pražák version (1997 – PragaDigitals) with the soprano Christine Wittlesey.

 

One will also announce the radiant version by the Pražák of quartet n°4, Op. 37. Here is a work more immediately accessible for who is accustomed to the last quartets by Beethoven. The structure of each movement is simpler and the processing of the series allows many tonal poles. Let us add this is an almost smiling work! and that the sound recording is of an absolute limpidity.
Découvrir la musique contemporaine

New York Philharmonic : Boulez – Stockhausen

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Pierre Boulez – Bruno Maderna – Karlheinz Stockhausen
(from www.stockhausen.org)
Le site medici.tv diffuse gratuitement un concert évènement du New York Philharmonic intitulé 360 (360 °) : Hormis un hors d’œuvre Gabrieli et la fin de l’Acte I de Don Juan, on a la chance d’entendre et voir Rituel de Boulez, à la mémoire de Bruno Maderna, et Gruppen de Stockhausen, les 2 œuvres étant effectivement écrites pour des groupes de musiciens répartis dans l’espace.

Excellente idée du directeur Alan Gilbert ! En complément, The unanswered question de Charles Ives.

Une heureuse initiative même si on ne peut l’écouter ici à 360°…

www.medici.tv (proposé sans abonnement, mais nécessite de s’inscrire pour voir le concert entier).

 The web site medici.tv broadcast free a recent concert by the New York Philharmonic “360”.

Besides a little piece for brass by Gabrieli and the end of the 1rst act from Don Giovanni, we can listen to and watch  Rituel by Boulez, to the memory of Bruno Maderna, and Gruppen by Stockhausen, these two pieces being written for separate groups of musicians.

A real good idea from Director Alan Gilbert. Besides, The unanswered question by Charles Ives.

A very good initiative, even if we can’t hear it at 360°…

www.medici.tv (proposed freely, you just have to sign in to be able to see the entire concert).

 

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Daniel Harding – Schoenberg – Schubert – Festival de Saint-Denis

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On était un peu inquiet à l’approche de ce concert : les quelques enregistrements que l’on avait pu entendre de ce jeune chef laissaient sans voix (Brahms à Brême…), on savait aussi qu’il s’était fait éconduire par les musiciens de l’orchestre de l’Opéra de Paris ; en outre, on ne voyait pas bien le lien entre La Nuit transfigurée [1. Rappelons l’argument : une promenade nocturne d’un couple amoureux dont la femme avoue qu’elle attend un enfant d’un autre. Son amant acceptera l’enfant et les deux s’en iront lors d’une nuit transfigurée.] et une messe de Schubert, ni surtout comme La nuit allait sonner dans cette acoustique de hall de gare.

Bravo tout d’abord à l’orchestre philharmonique de Radio-France (et au Chœur de Radio France pour Schubert) ; mis à part un accident au milieu de La Nuit, les cordes étaient fort belles et montraient une évidente cohésion. On aura été moins emballé par l’interprétation : çà faisait un peu ‘Elgar’ – c’est un peu facile vis-à-vis d’un chef anglais – et manquait pour moi « d’expressionnisme ». De très beaux moments tout de même.

La Messe en mi bémol majeur D. 950 de Schubert nous est bien connue, l’ayant entendu  déjà lors de ce même festival par Chung (bof) et Muti (mieux)… À l’évidence, Harding est un excellent chef de chœur. À ce propos, choix ou contrainte due au manque de profondeur de la « scène »,  on est assez gêné par la disposition du chœur, répartissant les tessitures de l’avant vers l’arrière au lieu de la gauche vers la droite. Cela donne une impression de saturation dans les forte (et dans les quelques fortissimi imprimés par le chef qui ne paraissaient guère justifiés). Il manquait juste une présence plus affirmée de l’orchestre : le chef demandait constamment aux cordes de « réduire », celles-ci jouant de plus avec un vibrato minimaliste. Passons sur les solistes : leur partie est réduite et ils étaient juste devant le chœur, donc bien loin dans cette acoustique.

On peut en voir l’enregistrement (dans un meilleur son que sur place !) ici.

Conclusion : un concert de belle facture, un chef à suivre, même si on a quand même manqué d’émotion ce soir-là.

 This was our first concert conducted by Daniel Harding – we were a little apprehensive, considering for example his Brahms recordings, or the fact he had been rejected once by The Paris Opera’s orchestra musicians. Besides, we didn’t see any link between one of Schoenberg’s first major works and one of Schubert’s last ones – how the Transfigured Night would sound in this kind of train station acoustic.

Congratulations first to the Orchestre philharmonique de Radio-France (and then to the Chœur de Radio France), a little accident in the middle of The Night apart. Superb strings, but the performance for us was lacking of expressionism and overall structure; beautiful moments anyway.

We have already heard twice a Schubert Mass in Saint-Denis: once with Chung – so so – and another time by Muti (much better). Harding appeared as an excellent chorus conductor. Was it a choice or due to the stage lacking of depth, but instead of having sopranos to basses divided up from left to right, women were spread on the entire first row, men behind ; this gave in my opinion some sound saturation in the forte (moreover in some fortissimo which didn’t appear really justified). From our seats, the orchestra wasn’t playing loud enough – Harding asking permanently the strings to ‘reduce’ and their vibrato was really minimalist.

We won’t speak about the soloists, since their part is somewhat reduced and they stood just before the choir, so we didn’t hear them enough (they sound indeed much better on the video).

To conclude, a good concert, a conductor to follow, even if we lacked a little of strong musical emotions.

 

Daniel Harding - Festival de Saint-Denis
Daniel Harding – Festival de Saint-Denis

 

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Witold Lutoslawski – Orchestral – Brilliant

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Variations symphoniques – Symphonic variations – 1938
Symphonie nº 1 – 1947
Concerto pour orchestre – 1954
Musique funèbre pour orchestre à cordes – Music of mourning – 1958
Postlude n° 1 – 1960
Jeux vénitiens – Venetian games – 1961
Trois Poèmes d’Henri Michaux – 1963
Paroles tissées – 1965
Symphonie nº 2 – 1967
Livre pour orchestre – 1968
Préludes et fugue pour cordes – 1972
Mi-parti pour orchestre – 1976

Une aubaine que ce coffret de 3CD à prix modique (moins de 10 € – mais il n’apparaît plus au catalogue Brilliant), sous la direction évidemment autorisée – et excellente – du compositeur, le tout dans de superbes conditions sonores, qui nous offre un large panorama de sa musique orchestrale jusqu’à 1976 ; surtout une occasion de s’aventurer sans mal dans la musique du XXe siècle en partant d’un idiome type Szymanowki (Variations symphoniques) ou Bartók (Concerto pour orchestre). On commentera dans l’ordre des CD proposés.Les Variations symphoniques, déjà, sont un vrai chef d’oeuvre : c’est construit, raffiné, beaucoup de ‘drive’ et d’atmosphères ; on a parlé des influences de Szymanowski, du premier Stravinsky, on pourrait ajouter Roussel, mais c’est en fait déjà très personnel.

La 1ère symphonie (composée 3 ans après la 5e de Prokofiev, cela s’entend … et à peu près en même temps que la Turangalîla) est dans un style assez motorique, avec un 1er mouvement à l’orchestration assez chargée. Le tout parait un peu trop bien découpé, métronomique, voire simple, mais au moins c’est très vivant.

La Musique funèbre pour cordes est dédiée à la mémoire de Bartók, elle n’est pas plagée ici alors qu’elle comprend 4 mouvements : Prologue, Métamorphoses, Apogée, Épilogue. On a écrit que c’était sériel, çà parait curieusement consonant, que c’est aussi contrapuntique que la Musique pour cordes, alors que çà parait presque simpliste en regard. Mais c’est sonnant et il y a une certaine atmosphère, notamment à la fin de l’oeuvre.

La 2e symphonie, de 1967, qui vit son 2e mouvement créé par Pierre Boulez en 1966, est en 2 mouvements : Hésitant et Direct. Le premier est très original, sa forme rondo permettant d’illustrer cette hésitation par une série d’épisodes aux alliages sonores recherchés, grâce notamment à la harpe, au piano, au célesta et à une percussion abondante et variée – des mondes sonores envoûtant – on pense parfois à certaines scènes des films de Tarkovsky. Le 2e mouvement est aussi très original, avec tantôt ses masses de cordes mouvantes, ses rythmes ‘élastiques’ ; on est loin des barres de mesure de la 1ère et quelle évolution du langage en 20 ans ! Si ce n’est qu’ils sont suivis de la reprise du début du mouvement aux cordes graves, les derniers accords font un peu le même effet que les 6 accords concluant la 5e de Sibelius…

Le Concerto pour orchestre est sans doute l’œuvre la plus connue du compositeur. Il est en 3 mouvements : Intrada, Capriccio notturno, Passacaille toccata choral & final. Contrairement à ce que l’on a pu lire, c’est quand même très influencé par l’oeuvre homonyme de Bartók, écrite 11 ans plus tôt. Cela ne l’empêche pas, dans son idiome de folklore également réinventé, de présenter nombre de traits caractéristiques du compositeur, par exemple l’adéquation parfaite des sonorités instrumentales au discours. N’était nous semble-t-il une moindre sophistication harmonique, il pourrait surpasser l’œuvre de feu son collègue hongrois. Le Finale est un tant soit peu redondant.

Jeux vénitiens : (car créés à Venise) C’est un langage nettement plus moderne, [toujours avec piano – il faudrait bien écrire un papier sur l’usage du piano dans la musique symphonique du XXe siècle] ; l’auteur aurait déclaré que c’est à partir de cette pièce qu’il s’estimait être parvenu à la maturité et effectivement on assiste à l’apparition d’un nouveau langage. C’est supposé un peu aléatoire, un ‘gimmick’ des années 60 qui a complètement disparu. Le dernier des 4 mouvements, avec un passage « à la Varèse » est superbe d’énergie.

Livre pour orchestre : ici encore que d’inventions sonores (ici encore les parties de piano nous paraissent manquer de brillant) ;  ce qui frappe le plus est cette espèce de magma orchestral grouillant : il se passe toujours quelque chose chez Witold ! On imagine bien l’exigence que cela représente pour les instrumentistes.

Je commenterai peut-être le 3e CD plus tard…

 A real windfall this box of 3CD (less than 10 € – but it doesn’t appear on the Brilliant site anymore), under the obviously authorized direction – and excellent – of the composer, with superb sound conditions: it offers a broad panorama of his orchestral music up to 1976; especially an occasion to venture without too much discomfort in the music of the XX century starting from an idiom like Szymanowki (Symphonic Variations) or Bartók (Concerto for orchestra). We will comment following this edition’s order.The Symphonic Variations are already a masterpiece: it is refined, plenty of “drive” and atmospheres; we can note influences of Szymanowski, the first Stravinsky, one could add Roussel, but it is in fact already very personal.

The 1st symphony (written 3 years after Prokofiev 5th, which can be pointed out… and about at the same time as the Turangalîla) the style is rather motoric, 1st movement showing a rather loaded orchestration. The whole appears a little too well cut out, metronomic, even simple, but at least it is very much alive.

The Funeral Music for strings is dedicated to the memory of Bartók, it is not ranged here whereas it includes 4 movements: Prologue, Metamorphoses, Apogee, Epilogue. One wrote that it is serial, though it appears curiously consonant, that it is as contrapuntal as the the Music for strings, whereas that appears almost simplistic in glance. But it is sounding and there is a certain atmosphere, in particular at the end of work.

The 2nd symphony, 1967, which saw its 2nd movement created by Pierre Boulez in 1966, is in 2 movements: Hesitating and Direct. The first is very original, its form rondo making it possible to illustrate this hesitation by a series of episodes to sought sound alloys, thanks in particular to the toothing-stone, the piano, the celesta and of an abundant and varied percussion,  one thinks sometimes of certain scenes of films byTarkovsky. The 2nd movement is also very original, with sometimes its masses of moving cords, its rates/rhythms “elastic”; one is far from the 1st and what a language evolution  in 20 years!

The Concerto for orchestra is undoubtedly the most known work of the composer. It is in 3 movements: Intrada, Capriccio notturno, Passacaille toccata choral & final. As opposed to what one could read, it nevertheless is very influenced by the homonymous work of Bartók, written 11 years earlier. That does not prevent it, in its idiom of also reinvented folklore, to present a number of features characteristic of the composer, for example the perfect adequacy of instrumental sonorities to the speech. Seems he was not us a less harmonic sophistication, he could exceed the work of fire his Hungarian colleague. The Finale is so much is not very redundant.

Jeux vénitiens (created in Venice) and Livre pour orchestre – really modern pieces, most enjoyable : the 4th movement of Jeux and the final part of the Livre.

I may comment the 3rd CD later…