Musique classique
1812 : de Vilnius à Tchaïkovsky
Notre ami féru d’histoire, Karim Ouchikh, nous propose aujourd’hui d’illustrer L’ouverture 1812 de Tchaïkovsky, suite aux macabres découvertes faites à Vilnius, 200 après.
Après la biffure de la dédicace de sa 3e symphonie à Bonaparte par Beethoven, la Bataille de Vitoria du même, jusqu’à Hary Janos de Kodaly, le pauvre corse n’aura pas été gâté par les compositeurs !
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On voudrait signaler ici les occasions que présente la collection “Les indispensables de Diapason”, des interprétations souvent de qualité offertes au prix de 5€ l’unité. Par exemple, un récital Chopin par Guiomar Novaes, un peu daté quand même, un récital Michelangeli (avec un bon report de la Totentanz de Liszt avec Kubelík), mais les 2 contiennent la 2e sonate de Chopin, et là Cortot suffit bien ; des mélodies de Fauré avec surtout Souzay ainsi que Panzera dans L’horizon chimérique. Le CD le plus épatant est celui consacré à Debussy : une version de référence du quatuor de Debussy par les Budapest ; certes ce n’est pas la plus belle sonorité de quatuor notamment dans le finale, mais la tenue rythmique, l’engagement laissent loin derrière les Lasalle par exemple – le 2e mouvement Assez vif et bien rythmé est une merveille. On oubliera Monique Haas dans Pour le piano, un peu bruyante, pour découvrir, entre les excellents Bilitis, Fêtes galantes et Promenoir des deux amants par Suzanne Danco, une perle : la Suite bergamasque par Friedrich Gulda en 1957. Ainsi, son Clair de lune, pris très lentement, est au niveau du Fantasque Samson François ou de l’exotique Magda Tagliaferro. On mettra au premier plan le dernier en date : Les 8 & 9 de Schubert respectivement par Mravinsky et Krips. La version de 1959 de Mravinsky est une merveille absolue – on n’est pas un fan du chef, mais là, la hauteur de vue et la réalisation sont comme surhumaines. Pierre Barbier eut quelques ennuis en Grande-Bretagne et en Asie avec la 4e de Tchaikovsky qui faisait partie du couplage original (Praga Digitals) : certains critiques crurent qu’il s’agissait d’une copie du célèbre enregistrement pour DG, c’est bien mal le connaître. Il est vrai que, réalisée à une journée d’intervalle de l’enregistrement DG, on pourrait s’y méprendre. Toujours est-il que le travail sur la restauration de la bande originale est absolument remarquable. J’ai voulu comparer avec quelques enregistrements en ma possession : Bruno Walter – New York Philharmonic – 1953, Wilhelm Furtwängler – Vienne – 1954 – Live et Rafael Kubelík – Bavaroise – 1978 – live, en proposant le début du 1e mouvement à l’écoute (Andante et début de l’Allegro, ma non tropo). Aucun chef ne fait la reprise (on ne voit pas, comme pour beaucoup de commentateurs, pourquoi, dans les œuvres longues de Schubert, sous prétexte de leur rapport au temps, il faudrait les rendre encore plus longues en faisant systématiquement toutes les reprises). Ici, le diagramme audio du 1er mouvement dans les 4 versions : bien peu de différences.
Furwängler :
Krips : Kubelík : Walter : L’entrée du cor, des cordes, puis des hautbois, clarinette et basson suffisent déjà à caractériser les visions de ces grands chefs du passé : romantisme un peu sombre de Furtwängler, contemplation viennoise de Krips, animation chez Kubelík, simplicité chez Walter. Mes préférées sont Krips et Kubelík.
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We would like to point out bargains offered by the collection “The essentials of Diapason” (the leading French musical revue), with interpretations of quality offered for 5€ per CD. For example, a Chopin recital by Guiomar Novaes, a little dated nevertheless, a Michelangeli recital (with a good report of Totentanz de Liszt with Kubelík), but the 2 contain the Chopin’s 2nd sonata, and there Cortot is sufficient…; melodies of Fauré with especially Souzay and Panzera. The most exciting CD is the Debussy: a masterly version of Debussy’s quartet by the Budapest; – the 2nd movement Assez vif et bien rythmé is a marvel. You can forget Monique Haas in Pour le piano, a little noisy, to discover, between the excellent Bilitis, Fêtes galantes and Promenoir des deux amants by Suzanne Danco, a pearl: the Suite bergamasque by Friedrich Gulda in 1957. For example, his Clair de lune, very slow, is at least as good as let say unpredictable Samson François or the exotic Magda Tagliaferro. We will put at the foreground the latest to date: Schubert’s 8 & 9 respectively by Mravinsky and Krips. The Mravinsky version of 1959 is an absolute wonder – we are not a fan of the conductor, but there, the height of sight and the realization are like superhuman. Pierre Barbier who released these concerts had some troubles in Great Britain and Asia with 4th of Tchaikovsky which belonged to the original coupling (Praga Digitals): some critics believed that it was just a copy of the famous recording for DG… It is true that, realized at one day of interval of the DG recording, one could be mistaken. Anyway the restoration of the original band is absolutely remarkable. I take advantage of the last release of this collection to make a small illustration of the famous version of Schubert 9th symphony by Krips with the London symphonic orchestra. The sound recording is remarkable (1958!), the vision of the Austrian conductor also. I wanted to compare it with some recordings in my possession: Bruno Walter – New York Philharmonic – 1953, Wilhelm Furtwängler – Vienna – 1954 – Live and Rafael Kubelík – Bavarian RSO – 1978 – live, by proposing the beginning of the 1e movement (Andante and beginning of the Allegro, ma non tropo). No conductor makes the repeat (one does not see, as for many commentators, why, in Schubert’s longest works, under pretext of their relation to time, they would have to make them even longer making systematically all the repeats). Here (left), the audio diagram of the 1st movement in the 4 versions: very few differences. [excerpts on left column] The entry of the horn, of the strings, then oboes, clarinet and bassoon are already enough to characterize the visions of these great conductors from the past: a little dark romanticism with Furtwängler, Viennese contemplation with Krips, animation with Kubelík, simplicity with Walter. My favorites are Krips and Kubelík. |
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Nous reprenons après une longue interruption nos « discographies » comparées avec mon frère Bernard Vagne (B) et mon beau-frère Karim Ouchikh (K), toutes sur des œuvres où l’on retrouve Kubelík, site Web oblige… « Discographies » entre guillemets, l’apparition de Qobuz permettant d’élargir nos discothèques déjà bien pourvues. Une trentaine de versions étaient proposées pour le 1er mouvement, après un « écrémage » (B) de versions qui ne semblaient pas pertinentes – malgré l’aura de certaines – par exemple : Katchen/Kertesz, Peraya/Davis et une des pires, Argerich/Harnoncourt, avec en plus certaines raretés amenées par K. Malheureusement, mon classement erratique de CD de concerts ne m’a pas permis d’apporter Firkusny / Kubelik et Arrau / Kubelik à Cologne… Les enseignements que l’on tire de cette – longue – confrontation sont que l’œuvre est merveilleuse, que l’interpréter correctement est décidément bien difficile et que les femmes s’en sortent bien : on a préféré dans l’ordre : Argerich / Rabinovitch, Arrau / Kubelik, [Annie] Fischer / Keilberth, Schnabel / Monteux et Pires / Abbado. On a regretté d’avoir dû abandonner Cortot après le 2e mouvement, été abasourdis par l’audace d’Argerich dans le 1er, époustouflés par le piano d’Arrau, immense, et cela nous permet de rendre hommage à la très grande pianiste Annie Fischer, trop méconnue. Résumé de la confrontation : Le début de la version Arrau / Kubelík / New York – 1968 : |
We take again after a long interruption our compared listenings with my brother Bernard Vagne (B) and my brother-in-law Karim Ouchikh (K), all on works where one finds Kubelík, Web site obliges… About thirty versions were proposed for the 1st movement, after some filtering (B) of versions which did not seem relevant – in spite of their fame – for example: Katchen/Kertesz, Peraya/Davis and one of the worst, Argerich/Harnoncourt. Unfortunately, my erratic CD classification of concerts did not enable me to bring Firkusny/Kubelik and Arrau/Kubelik in Köln… The lesson which one draws from this – long – confrontation is that this work is marvelous, that to interpret it correctly is definitely quite difficult and that the feminine pianists are at ease with this work: we preferred in order: Argerich/Rabinovitch, Arrau/Kubelik, [Annie] Fischer/Keilberth, Schnabel/Monteux and Pires/Abbado. We regretted having had to give up Cortot after the 2nd movement, astonished by the audacity of Argerich in the 1st, puzzled by the piano of Arrau, immense, and that enables us to pay homage to the great pianist Annie Fischer, too much ignored. Resume: Beginning of Arrau / Kubelik / New York – 1968: |
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| Après Daniel Harding, la semaine dernière, c’était cette fois Sir John Eliot Gardiner CBE FKC qui officiait hier soir à Saint-Denis. N’étant pas un fan des baroqueux et particulièrement pas de ses interprétations à l’ancienne du répertoire romantique, on était a priori content que ce soient les forces de l’Orchestre National de France qui soient réunies ce soir-là, avec l’appui du Monteverdi Choir.
Ce gentleman farmer anglais (95 têtes de vaches !) me faisait irrésistiblement penser au grand Duduche de Cabu… mais sa gestique claire et élégante nous a donné un superbe concert dans cette œuvre de 1837 finalement assez rarement donnée compte-tenu des effectifs requis. Passons rapidement au débit. On n’avait pas réécouté l’œuvre depuis des années, bercé dans notre jeunesse par la version Colin Davis – et regrettant alors de ne pas avoir les moyens d’acquérir la version Munch… Ceci pour dire que l’amateur peut voir son appréciation d’un concert brouillée voire annihilée par des plaisirs musicaux solitaires répétés… On a trouvé quand même que le Rex tremendae étant vraiment trop rapide et que le Lacrymosa n’était pas assez « posé ». Mais au global ce fut un vrai bonheur, ne serait-ce que d’entendre de vrais bons ‘décibels’ – Tuba mirum – non déformés ou compressés par un appareil de reproduction. Les interventions du Monteverdi choir sont proprement sidérantes : les Heifetz ou Rachmaninov du chœur ! Mention spéciale pour le Sanctus merveille d' »antiphonie » avec le – très bon – ténor Michael Spyres situé tout en haut devant l’orgue, la batterie à gauche, l’orchestre au centre et le chœur au fond. (ajoutons en guise de clin d’œil que Sir John déclarait dans une interview du début de l’été à Diapason que les Jeux de Londres seraient une catastrophe totale…) |
After Daniel Harding last week, Sir John Eliot Gardiner CBE FKC was conducting yesterday evening in Saint-Denis. Not being a fan of “baroque” interpretations and particularly not of his interpretations of the romantic repertory, we were happy to know that the forces of the National Orchestra of France were invited this evening, with the support of Monteverdi Choir.
This gentleman English farmer (95 cows!) showed a clear and elegant gesture and gave us a superb concert in this work of 1837. One had regretted the setting of the chorus in Schubert by Harding, this time it was worse: it was placed on a far tilted rostrum behind the orchestra, Monteverdi choir in the foreground, Radio France choruses behind, so that in many passages, the orchestra, very well sounding besides, covered it almost completely (balance will certainly be corrected during the recording edition). We hadn’t listened to this work for many years, rocked in our youth by the Colin Davis version – and then regretting not having the means of acquiring the Munch version… This for saying that the amateur can see his appreciation in a concert scrambled or even destroyed by repeated solitary musical pleasures… I found nevertheless that the Rex tremendae was really too fast and that Lacrymosa was not “posed” enough. But in the global it was a true happiness, especially to listen to big and beautiful sound – Tuba mirum – not deformed or compressed by a reproduction device. The interventions of the Monteverdi choir are properly striking: they are the Heifetz or Rachmaninov for the chorus! Special mention for the Sanctus: a wonder of “antiphonal” with the – very good – tenor Michael Spyres located in the air in front of the organ, the battery on the left, the orchestra in the center and chorus far away. (let’s add as a joke that, in an interview to Diapason at the beginning of the summer, Sir John declared that the London Olympic Games would be a complete catastroph…) |
Poor definition :
| On était un peu inquiet à l’approche de ce concert : les quelques enregistrements que l’on avait pu entendre de ce jeune chef laissaient sans voix (Brahms à Brême…), on savait aussi qu’il s’était fait éconduire par les musiciens de l’orchestre de l’Opéra de Paris ; en outre, on ne voyait pas bien le lien entre La Nuit transfigurée [1. Rappelons l’argument : une promenade nocturne d’un couple amoureux dont la femme avoue qu’elle attend un enfant d’un autre. Son amant acceptera l’enfant et les deux s’en iront lors d’une nuit transfigurée.] et une messe de Schubert, ni surtout comme La nuit allait sonner dans cette acoustique de hall de gare.
Bravo tout d’abord à l’orchestre philharmonique de Radio-France (et au Chœur de Radio France pour Schubert) ; mis à part un accident au milieu de La Nuit, les cordes étaient fort belles et montraient une évidente cohésion. On aura été moins emballé par l’interprétation : çà faisait un peu ‘Elgar’ – c’est un peu facile vis-à-vis d’un chef anglais – et manquait pour moi « d’expressionnisme ». De très beaux moments tout de même. La Messe en mi bémol majeur D. 950 de Schubert nous est bien connue, l’ayant entendu déjà lors de ce même festival par Chung (bof) et Muti (mieux)… À l’évidence, Harding est un excellent chef de chœur. À ce propos, choix ou contrainte due au manque de profondeur de la « scène », on est assez gêné par la disposition du chœur, répartissant les tessitures de l’avant vers l’arrière au lieu de la gauche vers la droite. Cela donne une impression de saturation dans les forte (et dans les quelques fortissimi imprimés par le chef qui ne paraissaient guère justifiés). Il manquait juste une présence plus affirmée de l’orchestre : le chef demandait constamment aux cordes de « réduire », celles-ci jouant de plus avec un vibrato minimaliste. Passons sur les solistes : leur partie est réduite et ils étaient juste devant le chœur, donc bien loin dans cette acoustique. On peut en voir l’enregistrement (dans un meilleur son que sur place !) ici. Conclusion : un concert de belle facture, un chef à suivre, même si on a quand même manqué d’émotion ce soir-là. |
This was our first concert conducted by Daniel Harding – we were a little apprehensive, considering for example his Brahms recordings, or the fact he had been rejected once by The Paris Opera’s orchestra musicians. Besides, we didn’t see any link between one of Schoenberg’s first major works and one of Schubert’s last ones – how the Transfigured Night would sound in this kind of train station acoustic.
Congratulations first to the Orchestre philharmonique de Radio-France (and then to the Chœur de Radio France), a little accident in the middle of The Night apart. Superb strings, but the performance for us was lacking of expressionism and overall structure; beautiful moments anyway. We have already heard twice a Schubert Mass in Saint-Denis: once with Chung – so so – and another time by Muti (much better). Harding appeared as an excellent chorus conductor. Was it a choice or due to the stage lacking of depth, but instead of having sopranos to basses divided up from left to right, women were spread on the entire first row, men behind ; this gave in my opinion some sound saturation in the forte (moreover in some fortissimo which didn’t appear really justified). From our seats, the orchestra wasn’t playing loud enough – Harding asking permanently the strings to ‘reduce’ and their vibrato was really minimalist. We won’t speak about the soloists, since their part is somewhat reduced and they stood just before the choir, so we didn’t hear them enough (they sound indeed much better on the video). To conclude, a good concert, a conductor to follow, even if we lacked a little of strong musical emotions.
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| Une aubaine que ce coffret de 3CD à prix modique (moins de 10 € – mais il n’apparaît plus au catalogue Brilliant), sous la direction évidemment autorisée – et excellente – du compositeur, le tout dans de superbes conditions sonores, qui nous offre un large panorama de sa musique orchestrale jusqu’à 1976 ; surtout une occasion de s’aventurer sans mal dans la musique du XXe siècle en partant d’un idiome type Szymanowki (Variations symphoniques) ou Bartók (Concerto pour orchestre). On commentera dans l’ordre des CD proposés.Les Variations symphoniques, déjà, sont un vrai chef d’oeuvre : c’est construit, raffiné, beaucoup de ‘drive’ et d’atmosphères ; on a parlé des influences de Szymanowski, du premier Stravinsky, on pourrait ajouter Roussel, mais c’est en fait déjà très personnel.
La 1ère symphonie (composée 3 ans après la 5e de Prokofiev, cela s’entend … et à peu près en même temps que la Turangalîla) est dans un style assez motorique, avec un 1er mouvement à l’orchestration assez chargée. Le tout parait un peu trop bien découpé, métronomique, voire simple, mais au moins c’est très vivant. La Musique funèbre pour cordes est dédiée à la mémoire de Bartók, elle n’est pas plagée ici alors qu’elle comprend 4 mouvements : Prologue, Métamorphoses, Apogée, Épilogue. On a écrit que c’était sériel, çà parait curieusement consonant, que c’est aussi contrapuntique que la Musique pour cordes, alors que çà parait presque simpliste en regard. Mais c’est sonnant et il y a une certaine atmosphère, notamment à la fin de l’oeuvre. La 2e symphonie, de 1967, qui vit son 2e mouvement créé par Pierre Boulez en 1966, est en 2 mouvements : Hésitant et Direct. Le premier est très original, sa forme rondo permettant d’illustrer cette hésitation par une série d’épisodes aux alliages sonores recherchés, grâce notamment à la harpe, au piano, au célesta et à une percussion abondante et variée – des mondes sonores envoûtant – on pense parfois à certaines scènes des films de Tarkovsky. Le 2e mouvement est aussi très original, avec tantôt ses masses de cordes mouvantes, ses rythmes ‘élastiques’ ; on est loin des barres de mesure de la 1ère et quelle évolution du langage en 20 ans ! Si ce n’est qu’ils sont suivis de la reprise du début du mouvement aux cordes graves, les derniers accords font un peu le même effet que les 6 accords concluant la 5e de Sibelius… Le Concerto pour orchestre est sans doute l’œuvre la plus connue du compositeur. Il est en 3 mouvements : Intrada, Capriccio notturno, Passacaille toccata choral & final. Contrairement à ce que l’on a pu lire, c’est quand même très influencé par l’oeuvre homonyme de Bartók, écrite 11 ans plus tôt. Cela ne l’empêche pas, dans son idiome de folklore également réinventé, de présenter nombre de traits caractéristiques du compositeur, par exemple l’adéquation parfaite des sonorités instrumentales au discours. N’était nous semble-t-il une moindre sophistication harmonique, il pourrait surpasser l’œuvre de feu son collègue hongrois. Le Finale est un tant soit peu redondant. Jeux vénitiens : (car créés à Venise) C’est un langage nettement plus moderne, [toujours avec piano – il faudrait bien écrire un papier sur l’usage du piano dans la musique symphonique du XXe siècle] ; l’auteur aurait déclaré que c’est à partir de cette pièce qu’il s’estimait être parvenu à la maturité et effectivement on assiste à l’apparition d’un nouveau langage. C’est supposé un peu aléatoire, un ‘gimmick’ des années 60 qui a complètement disparu. Le dernier des 4 mouvements, avec un passage « à la Varèse » est superbe d’énergie. Livre pour orchestre : ici encore que d’inventions sonores (ici encore les parties de piano nous paraissent manquer de brillant) ; ce qui frappe le plus est cette espèce de magma orchestral grouillant : il se passe toujours quelque chose chez Witold ! On imagine bien l’exigence que cela représente pour les instrumentistes. Je commenterai peut-être le 3e CD plus tard… |
A real windfall this box of 3CD (less than 10 € – but it doesn’t appear on the Brilliant site anymore), under the obviously authorized direction – and excellent – of the composer, with superb sound conditions: it offers a broad panorama of his orchestral music up to 1976; especially an occasion to venture without too much discomfort in the music of the XX century starting from an idiom like Szymanowki (Symphonic Variations) or Bartók (Concerto for orchestra). We will comment following this edition’s order.The Symphonic Variations are already a masterpiece: it is refined, plenty of “drive” and atmospheres; we can note influences of Szymanowski, the first Stravinsky, one could add Roussel, but it is in fact already very personal.
The 1st symphony (written 3 years after Prokofiev 5th, which can be pointed out… and about at the same time as the Turangalîla) the style is rather motoric, 1st movement showing a rather loaded orchestration. The whole appears a little too well cut out, metronomic, even simple, but at least it is very much alive. The Funeral Music for strings is dedicated to the memory of Bartók, it is not ranged here whereas it includes 4 movements: Prologue, Metamorphoses, Apogee, Epilogue. One wrote that it is serial, though it appears curiously consonant, that it is as contrapuntal as the the Music for strings, whereas that appears almost simplistic in glance. But it is sounding and there is a certain atmosphere, in particular at the end of work. The 2nd symphony, 1967, which saw its 2nd movement created by Pierre Boulez in 1966, is in 2 movements: Hesitating and Direct. The first is very original, its form rondo making it possible to illustrate this hesitation by a series of episodes to sought sound alloys, thanks in particular to the toothing-stone, the piano, the celesta and of an abundant and varied percussion, one thinks sometimes of certain scenes of films byTarkovsky. The 2nd movement is also very original, with sometimes its masses of moving cords, its rates/rhythms “elastic”; one is far from the 1st and what a language evolution in 20 years! The Concerto for orchestra is undoubtedly the most known work of the composer. It is in 3 movements: Intrada, Capriccio notturno, Passacaille toccata choral & final. As opposed to what one could read, it nevertheless is very influenced by the homonymous work of Bartók, written 11 years earlier. That does not prevent it, in its idiom of also reinvented folklore, to present a number of features characteristic of the composer, for example the perfect adequacy of instrumental sonorities to the speech. Seems he was not us a less harmonic sophistication, he could exceed the work of fire his Hungarian colleague. The Finale is so much is not very redundant. Jeux vénitiens (created in Venice) and Livre pour orchestre – really modern pieces, most enjoyable : the 4th movement of Jeux and the final part of the Livre. I may comment the 3rd CD later…
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| S’il est un compositeur autrichien mal connu – en France tout du moins – c’est notamment Franz Schreker (1878-1934). | Franz Schreker (1878-1934) is still not very well known outside Austria or Germany. Jew of birth, he will know the greatest honors (Academy of Vienna, Director of the Berlin Academy in 1920 with such professors as Paul Hindemith, Artur Schnabel and Arnold Schoenberg… After being dismissed of all his functions in 1933 by the Nazis, he dies (fortunately?) in 1934, at 56. | |
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Juif de naissance, il connaîtra les plus grands honneurs (Conservatoire de Vienne, Directeur du Conservatoire de Berlin en 1920 avec comme professeurs nommés alors, des pointures telles que Paul Hindemith, Artur Schnabel et Arnold Schoenberg… Après avoir été démis de toutes ses fonctions en 1933 par les nazis, il meurt (heureusement ?) en 1934 à 56 ans. Il connaîtra de grands succès publics avant la stigmatisation de l’extrême-droite des années 30. Brilliant classics reprend ici des prises qui permettent de faire un tour rapide de sa production (rien de ses nombreux opéras bien sûr) sous la direction apparemment très érudite du chef d’orchestre et pédagogue Peter Gulke, avec les orchestre et chœur de Cologne. Il est évidemment scandaleux que « l’éditeur » ne mentionne pas l’origine des ‘bandes’ ni la date d’enregistrement. Certes, c’est de la musique « Zemlinsko-Mahlero-Straussienne », plutôt dans cet ordre, mais on trouvera dans cette boîte de 2 CD à prix modique de quoi titiller l’oreille du mélomane non réfractaire à une certaine ambiance fin de siècle, mais pas « décadente » pour autant : on a toujours l’impression d’une nostalgie nazi quand on voit qualifier ainsi la Vienne du début du XXe siècle (Klemperer, Hindemith ou Schoenberg, par exemple, décadents ?). On ne va pas rentrer dans le détail (cf), et on passera sur une Symphonie n°1 un peu laborieuse. On trouvera surtout quelques chefs d’œuvres : et d’abord la participation de Gert Westphal comme narrateur, ‘sprechgesanger’ plutôt, notamment dans Das Weib des Intaphernes, œuvre très prenante même quand on ne comprend comme moi qu’un mot sur quatre (pas de livret évidemment) ; un récitant épatant, parfois un peu façon Ustinov : on n’a pas de souvenir à part Pierrot lunaire d’un mélodrame où l’intégration voix-musique est si réussie. Autres moments fort : 5 Gesange par l’excellente soprano Mechtild Georg et le Psaum 116, très Requiem de Brahms et 8e de Mahler. N’hésitez pas vu le prix – si vous n’êtes pas germanophobe, vous le réécouterez… |
He will meet be great public successes before the stigmatization of the extreme-right in the Thirties. Brilliant classics in this 2 CD set presents examples of his production (nothing about his numerous operas of course) under the conductor and pedagogue Peter Gulke, with the Cologne orchestra and chorus. Besides a so-so Symphony n°1, some great works: first the participation of the great Gert Westphal as narrator, `sprechgesanger’ rather, in particular in Das Weib of Intaphernes, a very fascinating piece (but no booklet…). Other strong moments : 5 Gesange by the excellent soprano Mechtild Georg and the Psaum 116, very Requiem of Brahms and 8th of Mahler like. Do not hesitate considering the price – if you are not Germanophobe, you will go back to it… |
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On a eu la chance d’être invité hier soir à une représentation de Don Juan dirigée par Philippe Jordan, car cela a permis d’écouter enfin ‘en live’ ce jeune chef de 37 ans que nous avions eu le bonheur de rencontrer brièvement il y a quelques semaines. Je ne pus m’empêcher alors de lui faire le parallèle entre lui et Rafaël Kubelík, qui le fit sourire : tous deux fils de grands musiciens (le chef Armin Jordan et le violoniste Jan Kubelík), tous deux citoyens suisses, chefs d’orchestre internationaux, compositeurs et grands pianistes… Pour ce qui est du Philippe Jordan chef de fosse, on a été bluffé par son absolue maîtrise de toutes les forces en concours : pas un décalage fosse-scène, la précision sans faille de sa battue (très variée d’ailleurs), son attention à tous les protagonistes : par exemple, il ne quitta pas des yeux le joueur de mandoline pendant toute sa partie dans la Sérénade. Les couleurs étaient magnifiques, dans des tempi certes généralement mesurés, avec parfois des pianissimi d’une grande efficacité musicale (gageons que dans 25 ans il ne fléchira plus à moitié les genoux pour obtenir une nuance piano, voire carrément accroupi pour un pianissimo…). Juste une impression : il me semble que l’on entend moins d’aigus des cordes au parterre qu’au premier balcon par exemple. Sinon, il se confirme bien que l’Opéra de Paris se situe au top niveau international grâce au meilleur orchestre français, à des distributions toujours bien choisies, que les solistes soient déjà célèbres ou non, et à des mises en scènes de qualité. La mise en scène de Michael Haneke était superbe et les solistes pratiquement tous remarquables : nos 2 stars ‘baroques’, Véronique Gens – digne et émouvante Donna Elvira – et Patricia Petibon – peut-être pas la voix la plus mozartienne, mais quelle voix !, sans oublier la Zerline de Gaëlle Arquez ; parmi les chanteurs on aura bien sûr été éblouis par Peter Mattei dans le rôle titre, tant par sa prestation vocale que par son jeu scénique.
24/5/12 : On a assisté à la générale du concert d’hier soir à l’Opéra de Paris : Prélude à l’après-midi d’un faune, Nuits d’été et Le Sacre. C’était épatant de voir ce grand chef dans ses oeuvres : autorité naturelle, profession-nalisme, clarté de la gestuelle, avec un (superbe) orchestre très concentré et à l’écoute : ainsi quand il demande dans le Spectre de la rose au clarinettiste de jouer un passage de façon un peu plus éthérée (« c’est le spectre de la rose, pas la rose ! »), non seulement le clarinettiste le fait, mais tout l’orchestre change également légèrement sa sonorité… On eut droit à une mise en place du Sacre impeccable et évidemment le Boléro, donné sans doute hier soir en bis, ne vit pas son tempo s’accélérer… (19/12/12) Décidément sa prestation dans Carmen à l’Opéra de Paris en ce moment n’a pas bonne presse… Ce qui est amusant c’est que les critiques, n’étant pas satisfaits du spectacle, se mettent tous à critiquer l’acoustique « hall de gare » de l’Opéra Bastille. On est bien d’accord avec eux – on se rappelle une 7e de Bruckner par Celibidache horrible tellement le son semblait perdu on ne sait où – mais c’était bien au même endroit qu’a été donné ce superbe Don Juan par le Même Philippe Jordan, avec un orchestre et un chœur certainement pas plus fourni ! |
We had the chance to be invited yesterday evening to a representation of Don Giovanni directed by Philippe Jordan. Chance, because it was possible to finally see live this young 37 years old conductor who we were fortunate to briefly meet a few weeks ago. I then couldn’t prevent myself from presenting him a parallel between him and Rafaël Kubelík, which made him smile: both are sons of renowned musicians (the conductor Armin Jordan and the violinist Jan Kubelík), both Swiss citizens, international conductors, composers and great pianists… If he is mainly known in France for his activity with the Opera of Paris where he conducts the ‘répertoire’ (Mozart, Wagner, Strauss mainly, soon Carmen), Philippe Jordan increases his repertory of symphonic works and often conducts selected partitions of contemporary music (like the creation of the concerto for violin by Bruno Mantovani in Pleyel last February or the last work of Carigliano in Rome). Son of the conductor Armin Jordan, he made his beginnings – as Karajan – as Kappellmeister in Stadttheater in Ulm, then will be 3 years lasting musical director of the Opera of Graz and the philharmonic Orchestra of Graz where he will learn the job, as he quoted it. He is also a high level pianist and a composer, even if he prefers to remain discrete on this subject for the moment. In addition to Carmen and the Ring, the Parisian will be be able to listen to him next year in the symphonic repertoire: Triple of Beethoven and Ein Heldenleben in March, 10th of Shostakovich in May, Requiem of Verdi in June. Lastly, in April, he will be at the piano, with the actress Marthe Keller, to accompany the baritone Roman Trekel in The Beautiful Maguelonne by Brahms. As regards to the Philippe Jordan opera conductor, one was bluffed by his absolute control of all the forces in contest: not a shift pit-scene, precision without fault of his beating (very varied besides), his attention to all the protagonists: for example, he did not leave eyes from the mandoline player during all his part in the Serenade. The colors were splendid, in certainly generally measured tempi, with some pianissimi of a great musical effectiveness (let us guarantee that in 25 years he will not any more bend with half the knees to obtain a nuance piano, even straightforwardly squatted for a pianissimo…). Just an impression: it seems to to me that one hears less treble from the strings from the ‘parterre’ than from the first balcony for example. Anyway, it is well confirmed that the Opera of Paris is at the best international level thanks to the best French orchestra, with distributions always well selected, soloists being already famous or not, and with quality stagings. The staging of Michael Haneke was superb and the soloists practically all remarkable: our 2 ‘baroques’ stars , Véronique Gens – worthy and moving Donna elvira – and Patricia Petibon – perhaps not the most Mozartian voice, but what a voice! – without forgetting Zerline by Gaëlle Arquez; among the singers one will of course has been dazzled by Peter Mattei in the title role, as well by his singing and by his scenic play. |
