Arnold Schoenberg – 5 pieces op. 16 – Kubelik
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Arnold Schoenberg – 5 pieces op. 16 – Kubelik
Les femmes chefs d’orchestre – Women on the podium
Les femmes chefs d’orchestre – Women on the podium
| Mélomanes misogynes de tout poil, il faudra vous y faire : on va finir par voir un nombre croissant de femmes chefs d’orchestre : il a déjà fallu que vous vous habituiez à en voir un nombre croissant au sein de l’orchestre (même aux cuivres !) – on se rappelle de la polémique lors du rejet par vote en 1983 de la clarinettiste Sabine Meyer par les Berliner philharmoniker après sa période probatoire : 73 contre, 4 pour… – Sans remonter à Fanny, la sœur de Félix Mendelssohn, on ne sait plus qu’il y eut de nombreux chefs d’orchestre féminins de la fin du 19e siècle à la 2e Guerre mondiale, en général à la tête d’orchestres entièrement féminins dans les années 20 / 30, à l’existence souvent bien éphémère.
À notre supposé mélomane misogyne, qu’en sera-t-il si, par extraordinaire, l’une d’entre elles vient à diriger en jupe ! Eh bien çà existe avec Silvia Sanz Torre dont je n’ai pas la date de naissance…
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Misogynists music lover, you will have to keep with that: a growing number of women conductors: you have been unfortunate to see a growing number of women within the orchestra (even with coppers!) – one remembers the polemic at the time of the rejection by vote of the clarinetist Sabine Meyer in1983 by Berliner philharmoniker after her probationary period: 73 against, 4 for… -Without going back to Fanny, Felix Mendelssohn’s sister, one does not know any more that there were many female conductors from the end of the 19th century to the 2nd World war, in general at the head of entirely female orchestras in the 20/30′
Two young feminine conductors that we know a little: Susanna Mälkki, leader of the Ensemble Intercontemporain, who impressed us in two discs of contemporary music (Manoury & Mantovani). And Serâ Tokay, who has just given us an interview; she had just founded her chamber orchestra, « Philharmonie de Chambre Lutèce »; she impressed us in the two chamber symphonies by Schoenberg in Paris, some months ago. To our supposed misogynist music lover, what about, if by extraordinary, a woman conducts the orchestra dressed in a skirt… Well, Silvia Sanz Torre did it! |
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Some conductors are missing, since I could not get their birth date, even some wouldn’t give it to me… See also this list.
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| From the New Yorker, an interesting interview : »A formidable figure in Russian music, Temirkanov served as a mentor both to Gergiev and later to Petrenko. The interviewer, the Paris-based pianist and composer Elena Gantchikova, deserves credit for grilling him. A Russian-speaking friend provided this translation:Q.: In your opinion, could a woman conduct? A.: In my view, no. Q.: Why not?! A.: I don’t know if it’s God’s will, or nature’s, that women give birth and men do not. That’s something that no one takes offense at. But if you say that a women can’t conduct, then everyone’s offended. As Marx said, in response to the question “What’s your favorite virtue in a woman?”—“Weakness.” And this is correct. The important thing is, a woman should be beautiful, likable, attractive. Musicians will look at her and be distracted from the music! Q.: Why? There are women in the orchestra; people indifferent to a women’s charms. Besides, how many times would you be enraptured by appearances? After all, it’s something you tire of, and switch to the heart of the question. Statistically, of course, there are women conductors. A.: Yes, they do exist. Q.: Nevertheless, you maintain that these are less than women, or less than conductors. A.: No, simply that in my opinion, it’s counter to nature. Q.: And what is it in the conductor’s profession that runs counter to a woman’s nature? That’s counter to the essence of the conductor’s profession? A.: The essence of the conductor’s profession is strength. The essence of a woman is weakness. » From Artsjournal.com, an other intersting point of view by : Jorma Panula has been the most successful spotter and trainer of conductors for the past 30 years. His pupils include Esa-Pekka Salonen and at least 20 others who hold international posts. Q: Do you think it is good that women enter the profession and become conductors? JP: No! What the hell, we have men already. It is such a limited profession… They can try, but it is a completely different deal. I can’t comment on media or public opinion. But women… Of course they are trying! Some of them are making faces, sweating and fussing, but it is not getting any better – only worse! They can come [to my masterclasses] and try. It’s not a problem – if they choose the right pieces. If they take more feminine music. Bruckner or Stravinsky will not do, but Debussy is OK. This is a purely biological question. Panula’s comments have provoked outrage in Finland. Salonen has tweeted (in Finnish): ‘Conducting is about skill, not biology. There is no reason why women cannot do it equally well or better.’ |
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Beethoven – Diabelli variations – Sviatoslav Richter
Beethoven – Diabelli variations – Sviatoslav Richter
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Disons-le d’emblée, comme pour Carlos Kleiber – cf., on n’est pas fan de ce pianiste, contrairement à l’écrasante majorité des mélomanes et des critiques, au moins français. Impérial dans Prokofiev, ses interprétations de concertos nous ont souvent laissé de marbre (le pire : celui de Dvorak avec Kleiber justement, chez EMI), quelques Debussy étranges, des Tableaux chez Philips (1959, je crois) encensés par la critique mais qui nous laissaient également froid. Bref, on ne connaît pas son immense discographie (lui qui n’aimait pas enregistrer, comme un certain Sergiu…), mais il nous a toujours laissé l’impression d’une pianisme un peu gris, un peu genre alla Hindemith. Je m’arrête, je me suis fait assez d’ennemis pour l’instant ! Ce n’est pas parce que cela nous plaît guère qu’on en conclura – comme pour Kleiber – qu’il s’agit là d’artistes de seconde zone, loin de là. Mon ami Pierre Barbier a bien voulu m’envoyer ce SACD et c’est pourtant un plaisir de rendre compte de cette prise de concert de 1986 à Prague, remastérisée remarquablement, comme toujours par ses techniciens tchèques. L’album présente donc ces Diabelli données à Prague le 18 mai 1986 ainsi qu’une version de la sonate op. 110 datant de 1965. Certes, pas un sourire dans cette interprétation – déjà le thème, bien droit – quelques piano subito un peu intempestifs et comme téléphonés – mais… on rend les armes devant une telle maîtrise en concert, tant de l’instrument – à peine quelques légers accrocs – que de la partition. De cette volonté de faible différenciation des timbres naît une concentration très forte sur la structure de la partition, et là, on est gâtés ! Voici le thème, en partition (version complète ici) et dans cet enregistrement de Richter. |
Let us tell it from the start, as for Carlos Kleiber – cf, we were not a fan of this pianist, unlike the majority of music lovers and critics, at least French ones. Imperial in Prokofiev, his interpretations of concertos didn’t appeal to us (worst: the Dvorak’s with Kleiber precisely, EMI), some strange Debussy, Picture at an exhibition –Philips (1959, I believe) praised by the critics but which left us also cold. In short, one does not know his immense discography (for someone who did not like to record, like certain Sergiu…), but it always left us the impression of a little gray pianism, a little on Hindemith side. I stop, I have made enough enemies for the moment! It is not because we hardly like that that we mean – as for Kleiber – that they are there artists of second zone, far from there. My friend Pierre Barbier sent me this SACD and it is however a pleasure of giving an account of this concert of 1986 in Prague, remarkably remasterized , like always by his Czech technicians. The album presents these Diabelli given in Prague on May 18, 1986 as well as a version of the sonata op. 110 going back to 1965. Not a smile in this interpretation – some piano subito a little inopportune and as telephoned – but… you are just overwhelmed in front of such a control in concert, such mastery of the instrument – hardly some light false notes – and of the score. From this weak differentiation of the tones is brought a very strong concentration on the structure of the score… |
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Pour le pianiste nul que nous sommes, ce thème est relativement jouable avec un peu de travail, mais quant à le rendre si bien rythmiquement… le reste est sidérant de difficulté, comme est sidérante la maîtrise tant cérébrale que digitale du pianiste, sans bien sûr parler de la partition où Beethoven semble déployer tout son génie à se moquer par les moyens les plus sophistiqués du thème proposé, une sorte de hargne si bien rendue par Richter. Un exemple, mais tout serait évidemment à citer, la variation 19 :
Finalement… gloire à Richter ! Pour une analyse profonde et… technique de l’œuvre, cf. celle – encore incomplète sur son site – de Philippe Manoury et Sur Veränderungen (… deuxième sonate…), œuvre de Manoury, nouvelle transformation des transformations du thème de Diabelli par Beethoven… |
For a null pianist as we are, this theme is relatively playable with a little work, but as for giving it so well rhythmically… The remainder is striking of difficulty, as is striking the control as well cerebral as digital of the pianist, without of course speaking about the partition where Beethoven seems to deploy all his genius to make fun with the most sophisticated means about the theme, a kind of aggressiveness returned so well by Richter.
Finally, glory to Richter! |
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Autres rééditions de Richter chez Pragadigitals : 
Franz Schubert : Piano sonatas D. 960, 664, Impromptu D. 899 – S. Richter
Fryderyk Chopin : Etudes Opp 10, 25, Ballades Op 23, Nocturnes – S. Richter |
Other reissues by Richter at Pragadigitals : 
Edvard Grieg – Antonin Dvorak : Piano concertos – S. Richter
Sergei Rachmaninov : Piano concertos Nos 1 & 2 – Svjatoslav Richter – Kurt Sanderling |
Schoenberg – Piano concerto
Schoenberg Piano concerto
Philippe Manoury – La musique du temps réel
Ce livre d’entretiens « La musique du temps réel » avec deux interlocuteurs est en fait une rareté : finalement peu de grands musiciens et compositeurs s’expriment de nos jours sur leur perception de la musique ou sur leurs confrères, anciens et actuels.
Philippe Manoury est devenu au fil des – déjà nombreuses – années une figure importante de la musique ‘contemporaine’ au niveau international. Un peu vite catalogué comme un ‘bébé Boulez’ ou ‘bébé IRCAM’, il suffit de consulter le catalogue de ses œuvres pour constater l’étendue de sa ‘palette’. L’idée de ce ‘blog’ étant d’amener ‘l’honnête mélomane’ à découvrir la musique moderne, ce papier consacré à cet ouvrage en forme de dialogues y trouve toute sa place. D’autant plus que, parallèlement, Philippe Manoury est professeur à l’université de San Diego, ce qui montre à la fois ouverture d’esprit, esprit de pédagogie et puissance de travail…
Ses propos sont très clairs, à la manière d’un Boulez justement, mais moins conceptualisant.
Une première partie est consacrée principalement à l’électronique / informatique en musique, (évoquant notamment le problème posé par l’évolution continue de cette « lutherie technologique » à la pérennité des œuvres), mais tout au long de ces entretiens reviendra sempiternellement la question de la – faible – place de la musique contemporaine dans nos sociétés actuelles.
Une partie centrale est consacrée aux compositeurs qu’il apprécie – ou moins -, avec quelques surprises, dans son Panthéon musical, par exemple : Ainsi la nuit de Dutilleux, les premières partions de Xenakis pour orchestre, la micro-polyphonie de Ligeti, les premières œuvres de Magnus Lindberg, , Lachenmann, Rihm, Donatoni, Janacek, Berg, et surtout Debussy et quelques jeunes contemporains. Par contre, pas la musique répétitive américaine et de grosses réticences par rapport à une part importante de la production de Messiaen.
Deux chapitres sont consacrés en outre à la vie et à l’enseignement musicaux aux États-Unis et aux spectacles traditionnels japonais.
Le tout dernier chapitre traite encore plus précisément de la place de la musique contemporaine dans la société, évocation bien pessimiste quant au manque de culture musicale à l’école et parmi nos élites françaises. Çà me rappelle un propos de Boulez bien ‘boulezien’ que je cite de mémoire : Quand on pense que le Premier ministre [Raffarin à l’époque] ne va au concert que pour écouter Johnny Halliday, c’est dire le niveau ! (c’est vrai qu’à une époque, on pouvait voir souvent un Barre ou un Giscard à l’Opéra, sans parler des Pompidou, mais depuis ?).
Il dénonce à la fois la pauvreté insigne de l’enseignement musical français, encore une fois le manque de culture musical subséquent de nos ‘élites’ et surtout la soupe tonale insipide et terriblement conditionnante dont on est abreuvé tout au long de notre quotidien.
Une grande partie de l’ouvrage serait à citer – ce qui en fait plus un livre de chevet qu’un simple recueil d’interviews – ne serait-ce que par le chapitre consacré à ses œuvres préférées qui incite à les découvrir ou redécouvrir – mais surtout par ses tentatives de définition de ce qui pour lui fait une œuvre contemporaine intéressante : on citera par exemple ce passage : « Tout l’enjeu est là : il faut satisfaire les attentes – apporter ce que les neuropathologistes appellent des « récompenses » [ cf. ] – mais également savoir les décevoir et aussi les surpasser ».
On finira par deux réflexions :
– il déplore la quasi-inexistence de la critique musicale vis-à-vis des créations contemporaines dans la presse, relayée certes par les blogs spécialisés qu’il trouve représenter une sorte de ghetto de luxe – au moins ici c’est plutôt le blog « 9-3 » de la musique contemporaine…
– il cite le concept de musiques « agroupantes » telles que la musique militaire ou les rave parties que j’abhorre également (je me rappelle choquer mes copains ado en déclarant que pour moi les Rolling Stones me faisaient penser à de la musique militaire…).
Bref, précipitez-vous sur cet ouvrage et sur son blog – j’y reviendrai prochainement à propos des Variations Diabelli, à l’occasion de la réédition par PragaDigitals d’un live de Sviatoslav Richter, pianiste d’ailleurs cher à Manoury !
Cf. aussi l’interview réalisée par Bruno Serrou en juin 2012, qui reprend des thèmes évoqués dans l’ouvrage.
Philippe Manoury – La musique du temps réel – Édition MF – juin 2012 – 157 p. – 13 €
Schönberg Gurrelieder – Rafael Kubelík
Schönberg Gurrelieder – Rafael Kubelík
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Arnold Schönberg – Die Jakobsleiter
Arnold Schönberg – Die Jakobleister
Arnold Schönberg – Pierrot lunaire – Alda Caiello – Prazák Quartet – Suite op.29
Arnold Schönberg – Pierrot lunaire – Alda Caiello – Prazák Quartet – Suite op.29
| Cela fait toujours bizarre, 100 ans après la création, de cataloguer cet article sur Pierrot lunaire en « musique contemporaine ». Il s’agit du 6e volume de l’intégrale de la musique de chambre d’Arnold Schönberg chez Pragadigitals, réalisée principalement par les membres du quatuor Prazák. C’est d’ailleurs le nouveau premier violon de l’ensemble, Pavel Hůla, qui supervise la suite op. 29, que nous ne commenterons pas ici. Pour se sentir en terrain de connaissance, ayant déjà eu l’occasion de m’entretenir avec celui-ci, j’ai confronté cette nouveauté avec la version qu’en donna Peter Eotvös avec mon ancienne amie et très grande artiste Phyllis Bryn-Julson (RCA – 1993) ; j’en propose ci-dessous le 1er lied dans les deux versions. Pierre Barbier résume bien l’histoire de l’interprétation de ce cycle de 21 poèmes en citant Marya Freund ou Helga Pilarczyk et soulignant que tant Maderna que Boulez se sont tournés vers le chanté plus que vers le parlé. Les notes de la ligne de chant existent pourtant bel et bien, Schönberg n’a jamais été vraiment clair sur le sujet – apparemment, seul le premier poème présente une fois dans la partition les indications « gesungen » puis « gesprochen » (à trois notes d’écart…) mais c’est tout. Quand on est assez réfractaire au caractère un peu ectoplasme du mélodrame, que l’on goûte peu le genre cabaret façon Weill et que l’on est vraiment peu concerné par les poèmes horriblement datés d’Albert Giraud, genre Gustave Moreau de la poésie, on s’attelle à l’écoute et l’on est (re) pris par la qualité et l’inventivité de la partition. On était de plus inquiet en lisant le nom de la chanteuse : elle chantait la dernière partie de la version originale de la Suite lyrique d’Alban Berg avec les Prazák à la Cité de la musique il y a bien un an, me laissant une impression plus que mitigée. Ayant réussi à occuper l’espace dédié à la chaîne Hifi en mettant ce disque pour l’écouter en SACD plutôt qu’au casque sur l’ordinateur, ma fille est partie en déclarant cela horrible, et ma femme – qui a l’oreille absolue – déclara que c’était chanté faux de bout en bout. On comprend que, 100 ans après, çà dérange toujours… Et bien j’ai été emballé par l’interprétation. Je trouve que la prise de son est un poil trop réverbérée, mais c’est tout de même excellent, avec de l’ambiance. On ne se croit pas en studio grâce à la prestation de la chanteuse/diseuse. C’est chanté (pas faux autant que je puisse en juger) et c’est très caractérisé, très théâtral en même temps. Quel talent et quel tempérament ! L’interprétation globale – instrumentalement magnifique – est plus dans l’affect que dans le strict respect des nuances de la partition, mais qui s’en plaindrait, tellement c’est vivant ? La comparaison (ci-dessous Monderstrunken dans les 2 interprétations) est frappante avec la version de Phyllis Bryn-Julson : peut-être plus juste en hauteur (elle chantait assez souvent des partitions en quarts de ton*), cette dernière est tout de même plus univoque, et son allemand moins sonnant.   Richard Kurth, dans un article sur le Pierrot lunaire paru dans l’excellent ouvrage « The Cambridge companion to Schoenberg » ose un parallèle souvent éclairant entre certaines parties de l’oeuvre et des « échos de Schumann dans les ombres de la tonalité » à propos des Liederkreis de Robert Schumann ; par exemple, à propos de Monderstrunken, il fait le parallèle avec Mondnacht, le n°5 des Liederkreis, que voici par DFD et Brendel : * Elle me racontait, que chantant sous la direction de Bernstein, alors qu’elle était alors la chanteuse préférée de Boulez, Bernstein n’arrêtait pas de lui dire qu’elle chantait un peu faux… |
One feels weird, 100 years after the creation, to catalogue this article about Pierrot lunaire » in “contemporary music”.
It is the 6th volume of the integral of the chamber music by Arnold Schönberg at Pragadigitals, realized mainly by the members of the Prazák quartet. I confronted this new issue with the version that gave Peter Eotvös with my former friend and great artist Phyllis Bryn-Julson (RCA – 1993); I propose below the 1st song in the two versions. Notes for the singing line exist indeed, Schönberg having never been really clear on the subject – apparently, only the first poem presents in the score the indications “gesungen” then “gesprochen” (with an interval of three notes…) but it is all. When one is rather refractory to the ectoplasm character of the melodrama, doesn’t appreciate Weill’s cabaret music and is really little concerned with the old-fashioned of Albert Giraud, sort of Gustave Moreau of poetry, we harness with listening and are taken by the quality and the inventiveness of the partition. We were rather anxious reading the name of the singer: she sang the last part of the original version of the Lyric Suite by Alban Berg with the Prazák in La Cité de la musique in Paris well a year ago, leaving me an impression more than mitigated. Having succeeded in occupying the space dedicated to the stereo by putting this disc to rather listen to it on SACD rather than with a helmet on the computer, my daughter left, declaring it was horrible, and my wife – who has absolute pitch – declared that it was sung false from the beginning to end. It is understood that, 100 years afterwards, it still disturbs… I have been amazed by the interpretation. I find that the sound recording is a little bit too much reverberated, but it is excellent nevertheless. One does not believe oneself in a studio thanks to the singer/ monologuist. It is sung (not out of tune as far as I can judge) and it is much characterized, very theatrical at the same time. What a talent and what a temperament! The total interpretation – instrumentally splendid – more in the affect than in the strict respect of the nuances of the partition, but which would complain, so much it is alive? The comparison is striking with the Phyllis Bryn-Julson version: perhaps more in tune (she rather often sang partitions in quarter tones), it is a little bit monotonous, and the German is less good. Richard Kurth, in an article on Pierrot lunaire published in an excellent book « The Cambridge companion to Schoenberg » draw a parallel between some part of Pierrot and « echoes of Schumann in the shadows of tonality » with the Liederkreis by Robert Schumann ; for example, for Monderstrunken, he makes a parallel with Mondnacht, n°5 of Liederkreis, which you can listen to on the left by DFD and Brendel.
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