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Arturo Benedetti Michelangeli – Debussy – Ravel

Arturo Benedetti Michelangeli – Debussy – Ravel

Arturo Benedetti Michelangeli - Debussy - Ravel

Le grand pianiste dans ce qui était pour nous sans doute son meilleur répertoire – bien mince -, une mention ABM1 qui augure une suite, la perspective d’entendre encore un chef d’œuvre d’exhumation de Karel Soukeník chez Praga Digitals…

Tout d’abord un Gaspard live du 15 septembre 1960 à partir d’une prise radio. On retrouve dans un son qui n’est certes pas parfait (l’ingénieur est un magicien mais il ne peut quand-même pas faire de miracles) toutes les qualités du pianiste : maîtrise de la sonorité, du rythme, de la forme, polyphonie mise en exergue de façon si naturelle. C’est bien une grande version de concert, ; on avouera seulement de pas en avoir ressenti le frisson attendu, à part la fin sidérante de Scarbo.

Le grand choc vient de la réédition du fameux Concerto en sol de Ravel enregistré pour EMI en 1958.
Ettore Gracis (1915-1992) n’est d’ailleurs connu que pour cet enregistrement (il travailla principalement en Italie dans le domaine de l’opéra et de la musique contemporaine italienne).

Ettore Gracis
Ettore Gracis

Grand choc donc, car le remastering est stupéfiant, comme pour le de Falla, ce qui replace pour nous cette version en tête de la discographie ; la prise de son (écoutée en SACD) ne met pas le piano en avant, lequel est pourtant parfaitement intelligible et sonnant -l’orchestre apparaît au moins au même niveau que la fameuse version François / Cluytens (à part le début du 1er mouvement)…

Suivent des Valses nobles et sentimentales captées le 12 février 1952. Un peu de distorsions, de bruit de fond (transmission radio) et de légers pleurages ne viennent pas vraiment obérer le plaisir que l’on ressent à tant de subtilités, de poésie et de hauteur de vue. C’est je crois une première et c’est vraiment unique…

Si Ravel charme, Debussy envoûte et c’est vraiment dans Debussy – ici Children’s corner (20 septembre 1960 à Prague) – qu’on le préfère : ses qualités nous y semblent portées au plus au point, avec un je ne sais quoi de paradis perdu. C’est magistral et ce n’est pas un curieux bruit de fond qui nous empêche de goûter ces voluptés, peut-être plus perceptibles ici qu’en studio.  Rien que pour ces 6 « piécettes » (avec le plus évident Golliwogg’s cake-walk que l’on connaisse), ce SACD est indispensable !

Rappelons qu’il donna en concert le 1er concerto et Totentanz de Liszt avec Kubelík (1961) et que l’on peut trouver sur Youtube des extraits du même concerto de Ravel avec Celibidache (1982).

The stupendous pianist in what was for us undoubtedly his best repertory – quite narrow -, a mention ABM1 which announces a collection, the perspective of enjoying another remastering masterwork by Karel Soukeník for Praga Digitals…

First of all Gaspard, live on September 15, 1960 from a radio broadcasting. The sound which is certainly not perfect (the engineer is a magician but he cannot make miracles) gives us anyway all the pianist’s qualities: control sonority, rhythm, form, polyphony addressed in such a natural way. It is certainly a major live version; maybe we didn’t meet the expected shiver, except for the striking end of Scarbo.

The great shock comes from the reissue of famous Concerto en sol by Ravel recorded for EMI in 1958. Ettore Gracis (1915-1992) is mainly only known for this recording (he worked mainly in Italy in the field of opera and Italian contemporary music).
A shock then, because the remastering is amazing, as for de Falla, so for us this recording goes back to the head of the discography; the sound recording (listened in SACD) does not put the piano ahead, which is however perfectly understandable and sounding – the orchestra appears at least on the same level as the famous version François/Cluytens (except for the beginning of the 1st movement)…

Following: Valses nobles et sentimentales in February 12, 1952. Some distortions, a background noise (radio transmission) and instability do not really harm the pleasure one feels with so many subtleties and height of sight.

If Ravel charms, Debussy bewitches and it is really in Debussy – here Children’s corner (September 20, 1960 in Prague) – that we prefer him: his qualities seem to us carried to the higher point, with always something as a lost paradise.
It is masterly and it is not here a curious background noise which prevents us from tasting these pleasures, perhaps more perceptible than in studio.  Only for these 6 “piécettes” (with the most obvious Golliwogg’s cake-walk we know), this SACD is essential!

Let us recall that he gave in concert the Liszt 1st concerto and Totentanz with Kubelík (1961) and you can find on Youtube excerpts of the same concerto by Ravel with Celibidache (1982).

   

Arnold Schoenberg – 5 pieces op. 16 – Kubelik

Arnold Schoenberg – 5 pieces op. 16 – Kubelik

Kubelik conducts Schoenberg 5 pices op. 16
Kubelik conducts Schoenberg 5 pieces op. 16

Kubelik conducts Schoenberg

Kubelik conducts Schoenberg
Composées vers 1909, ces pièces atonales d’Arnold Schoenberg marquent une rupture franche de langage avec son œuvre précédente, la 1e symphonie de chambre.
Les 5 mouvements de l’œuvre se sont vues attribuer un titre par l’auteur, qu’il retira par la suite :

  1. « Vorgefühle », Sehr rasch. (« Premonitions », very fast.)
  2. « Vergangenes », Mäßige Viertel. (« The Past », moderate.)
  3. « Farben », Mäßige Viertel. (« Summer Morning by a Lake: Chord-Colors », moderate.)
  4. « Peripetie », Sehr rasch. (« Peripetia », very fast.)
  5. « Das obligate Rezitativ », Bewegte Achtel. (« The Obbligato Recitative », with movement.)
Une œuvre à la tonalité très « élargie », célèbre pour sa 3e « Farben », pièce magique, sans motif, véritable mélodie de timbres (« Klangfarbenmelodie »), supposée évoquer les couleurs ressenties auprès d’un lac, qui nécessite de faire entrer les différentes parties instrumentales sans aucune accentuation, ce qui est remarquablement fait ici par Kubelík dans cette version qui n’a jamais été surpassée.
Le parallèle entre Schoenberg et Kandinsky est bien connu : l’un passe d’un chromatisme exacerbé à l’atonalité, puis au dodécaphonisme  l’autre de la figuration dans un style russe à la dilution des représentations pour aboutir à une abstraction très géométrique. (Le 2e tableau,  Impression III, lui a été inspiré à la suite d’un concert Schoenberg avec notamment les 3 pièces pour piano op. 11).

Ici, la 3e pièce « Passé » :

Cet enregistrement fait partie de la série que Kubelik fit durant ses années à la tête du Chicago Symphony. Son fils m’a dit un jour qu’il avait accepté de les faire un peu à contre-cœur, on ne sait pourquoi. Outre le premier disque hi-fi de l’histoire (Tableaux de Mussorgsky), il réalisa 2 enregistrements historiques : celui-ci (couplé avec un de ses tubes : les Métamorphoses symphoniques d’Hindemith) et My Vlast de Smetana, une de ses toutes meilleures versions (on en a 12…). On a comparé avec Rattle / Birmingham (EMI – 1989) et Neumann / Philharmonie tchèque (Praga – Live – 1967) : le premier est très clair, mais sans aucune expressivité, le deuxième est très intéressant, malgré les conditions du live : une véritable interprétation, de superbes sonorités, une lecture peut-être un peu trop post-romantique. À trouver d’occasion, ce disque, qui contient 2 superbes versions des op. 17 Erwartung et op. 18 Die glückliche Hand, étant épuisé chez l’éditeur.

L’écoute du CD original de Mercury propose à la suite les Variations du paon de Kodaly et le Mandarin merveilleux de Bartok, dans l’interprétation superbe de Dorati. Après l’op. 16, on retrouve comme un monde perdu, plein de nostalgie avec Kodaly, puis le Bartok nous rappelle que l’invention rythmique était plutôt de ce côté, avec Stravinsky, plutôt que chez les trois Viennois…

On peut trouver cet enregistrement dorénavant à bas prix chez Naxos

Kubelik - Chicago symphony - Schoenberg - Naxos
Kubelik – Chicago symphony – Schoenberg – Naxos

Schoenberg- - Vaclav Neumann - Praga
Schoenberg – Vaclav Neumann – Praga
Composed around 1909, these atonal parts mark a frank rupture of language with the preceding work, the 1st Chamber symphony. Schoenberg gave them a title which he will withdraw later on:

  1. “Vorgefühle”, Sehr rasch. (“Premonitions”, very fast.)
  2. “Vergangenes”, Mäßige Viertel. (“The Past”, moderate.)
  3. “Farben”, Mäßige Viertel. (“Summer Morning by has Lake: Chord-Colors « , moderate.)
  4. “Adventure”, Sehr rasch. (“Peripetia”, very fast.)
  5. “Das obligate Rezitativ”, Bewegte Achtel. (“The Obbligato Recitative”, with movement.) .

A work with a very “widened” tonality, famous for its 3rd “Farben”, a magic piece, without any motive, true melody of tones (“Klangfarbenmelodie”), supposed to evoke the colors felt near a lake, which requires for the various instrumental parts to enter without any accent, which is remarkably made here by Kubelík in this version which has never been surpassed. The parallel between Schoenberg and Kandinsky is well-known: one goes from an exacerbated chromatism to atonality, then to the dodecaphony, while the other goes from figuration in a Russian style to the dilution of the representations and finally to a very geometrical abstraction. (The 2nd painting, Impression III, was inspired to him after a Schoenberg concert with in particular the 3 pieces for piano Op. 11).   Here, the 3rd part “Last”:

This recording belongs to a serie that Kubelik made during his years at the head of Chicago Symphony. His son said to me one day that he had agreed to do them even he was a little recalcitrant about it, one does not know why. In addition to the first hi-fi recording of the history (Pictures by Mussorgsky), it carried out 2 historical recordings: this one (coupled with one of his favorites: Symphonic Metamorphoses by Hindemith) and My Vlast by Smetana, one of his very better versions (we have 12 of them…).

We have compared with Rattle / Birmingham (EMI – 1989) and Neumann / Philharmonie tchèque (Praga – Live – 1967); the 1rst is very clear but inexpressive ; the 2nd, live, shows a real interpretation, superb sonorities, just a little bit too much post-romantic. You can still find it used on the Web, since it is now out of stock; it includes 2 superb versions of op. 17 Erwartung and op. 18 Die glückliche Hand.

The listening of the Mercury original CD proposes after that the Variations on the peacock by Kodaly and the Miracoulus Mandarin by Bartok, in the superb interpretation of Dorati. After the Op. 16, one finds sort of a lost world, full with nostalgia with Kodaly, then Bartok recalls us that the rhythmic invention was on this side, with Stravinsky, rather than with the three Viennese…

You can get it at low price at Naxos.

Schoenberg – Piano concerto

Schoenberg Piano concerto

Rafael Kubelik - Alfred Brendel - Schoenberg - Piano Concerto
Rafael Kubelik – Alfred Brendel – Schoenberg – Piano Concerto

Une oeuvre dodécaphonique de 1942 en 4 mouvements : Andante , Molto allegro, Adagio & Giocoso. Schoenberg aura donné des titres à chacun avant de se rétracter : « La vie était si facile, « Soudain, une animosité apparaît », « Une situation grave s’est créée », « Mais la vie continue ». Comme quoi, la métaphysique mise à part, ses préoccupations – disons sentimentales – restaient prégnantes – mais, surtout, un programme quasi-romantique pouvait bien être adapté à de la musique sérielle !Créée en 1944 à la NBC par Stokowski et Eduard Steuermann, cette partition de 20 mn environ a été enregistrée par (enregistrements commerciaux ou pirates, d’après l’Arnold Schönberg Center) :

Claude Helffer / René Leibowitz (1952?),
Glenn Gloud /Jean-Marie Beaudet (1953),
Edward Steuermann / Hermann Scherchen (1954),
Alfred Brendel / Michael Gielen (1957),
Glenn Gould, Dimitri Mitropoulos (1958),
Glenn Gould / Robert Craft (1961),
Peter Serkin / Seiji Ozawa (1968),
Alfred Brendel Rafael Kubelik (1971),
Alfred Brendel / Bruno Maderna (1973),
Peter Serkin / Bruno Maderna (1973),
Adam Fellegi / Ivan Fischer (1979),
Peter Serkin / Pierre Boulez (1985),
Anatolii Vedernikov / Igor Blazhkov (1986),
Maurizio Pollini / Claudio Abbado (1988),
Theo Bruins / Riccardo Chailly (1989),
Emmanuel Ax / Esa-Pekka Salonen (1992),
Alfred Brendel / Michael Gielen (1993),
Amalie Malling / Michael Schonwandt (1994),
Mitsuko Ushida / Pierre Boulez (2000),
Christopher Oldfather / Robert Craft (2000).

Pour répondre à ses détracteurs qui ne voyaient en lui qu’un compositeur cérébral, il est piquant de voir qu’il citait dans ‘Heart and brains’, essai de 1946, le début de concerto en tant que musique qui vient du cœur, alors qu’il s’agit d’une musique parfaitement sérielle :

On a comparé les version Brendel / Kubelik (1971), Peter Serkin / Boulez (1985) et Uchida / Boulez (2000).

Dès le 1er mouvement légèrement valsant, on laisse de côté le fils Serkin : version très lisible mais il ne se passe rien. La différence est sidérante tant entre Brendel et Uchida qu’entre Kubelik et Boulez. Les premiers jouent cet Andante en 4’45 contre 4’28. Malgré cette relativement faible différence, on a 2 versions parfaitement opposées : la première est plus phrasée au piano, il y de superbes atmosphères conformes d’ailleurs au titre donné par Schoenberg, au prix d’une lecture peut-être un peu lâche, alors que la 2e est très rythmée, presque motorique, mais plus en noir et blanc.

Le 2e mouvement fait apparaître les mêmes différences, le piano de Brendel est plus beau, la lecture de Kubelík plus ‘organique’ et colorée, mais on peut préférer le piano percussif d’Uchida ici.

Cette fois, Le 3e mouvement est plus rapide chez Kubelík. avec encore de très belles sonorités et atmosphères, mais, là, Boulez est plus expressif, avec un discours plus structuré, un mouvement tenu de bout en bout.

Le dernier mouvement, un rondo giocoso, a curieusement parfois un aspect Prokoviev… Comme le dit Misuko Ushida, la fin sonne un peu creux, un peu comme le final de la 7e de Mahler. La version Uchida / Boulez est très allante, d’une couleur bien adaptée. La version Brendel / Kubelík est plus posée, avec peut être plus de dialogues marqués piano / orchestre.

En conclusion, l’amateur peut choisir entre la version plus poétique de Kubelík et celle plus décidée de Boulez. Il sera assuré d’entendre en 20′ au moins autant de musique que dans un concerto de Beethoven…

Schoenberg - Piano concerto - Pierre Boulez - Mitsuko Ushida
Schoenberg – Piano concerto – Pierre Boulez – Mitsuko Ushida

Mise à jour – 25/4/2015

Schonberg Piano concerto - Boulez - Barenboïm
Schoenberg Piano concerto – Boulez – Barenboïm

Schoenberg  avait coutume que sa musique n’était pas moderne, mais simplement mal jouée… On ne sait pas quand a été donné ce concert à Vienne, sans doute une des dernières apparitions de Boulez chef d’orchestre. La prise de son est somptueuse, l’orchestre sonne magnifiquement et paraît très impliqué, le piano a une sonorité parfois un peu clinquante, mais Barenboïm, contrairement aux récents concertos de Liszt avec le même Boulez, est à son affaire, splendides articulations. Une version tout en lumière, celle qui éclaire le mieux la partition, même si les version Uchida / Boulez & Brendel / Kubelik gardent leurs atouts.

Schönberg Gurrelieder – Rafael Kubelík

Schönberg Gurrelieder – Rafael Kubelík

Kubelík conducts Schönberg's Gurrelieder
Kubelík conducts Schönberg’s Gurrelieder

On voudrait ici réhabiliter le 2e enregistrement intégral des Gurrelieder de Schönberg (créés seulement en 1913 sous la direction de Franz Schreker), réalisé par Kubelík, enregistrement public de mars 1965, qui succédait au pionnier René Leibowitz (1953).

Apparemment, il ne dirigea cette œuvre qu’à cette occasion, la difficulté de sa représentation tenant à la dimension des effectifs requis, un peu comme pour la 8e de Mahler.

Sans doute très prisée à sa sortie, cette version est devenue non grata à la faveur des – nombreux -enregistrements parus depuis. On n’a bien sûr pas accès à tous ceux-ci et on se contentera de comparer avec les versions Leibowitz (1953), Ozawa (1979), qui recueillit les éloges unanimes de la critique française, et celle d’Esa-Pekka Salonen (2009).

Commençons par l’extraordinaire prélude orchestral. Un des principaux griefs vis-à-vis de la version Kubelík était la médiocrité de la prise de son : le report en CD a amélioré les choses, mais effectivement Kubelík a rarement été favorisé par les prises de son d’enregistrements à vocation commerciale, notamment chez DG : ses Danses slaves sans corps, ses Mahler sans basses, etc. (à quelques rares exceptions). Il suffit de comparer ses enregistrements Mahler DG et les concerts souvent attenants réédités chez Audite (encore qu’il y ait beaucoup à dire sur la qualité de ceux-ci… cf.).

Ce prélude est incontestablement bien mieux rendu par Kubelik que par les 3 autres [il donne parfois à penser à Das Klagende Lied, dont il a donné par ailleurs en concert la meilleure version] , à part peut être Leibowitz qui lui donne, dans un tempo très lent, une réelle profondeur. Ozawa, mieux enregistré, donne une interprétation bien grise, celle de Salonen est plus intéressante, dans un climat assez symboliste, mais un petit peu terne instrumentalement : on n’a pas « l’empathie lumineuse » qui est finalement la marque de l’artiste d’exception qu’était Kubelík et qui vous donne le « fameux frisson« . J’en resterai pour la suite à Kubelík et Salonen (la vie est trop courte pour écouter in extenso Chailly, Rattle, Stokowsky, Craft, Sinopoli, Gielen, Boulez, Levine, Kegel, Ferencsik, Abbado et j’en oublie certainement).

La prise de son de Salonen est très dynamique, bien équilibrée, mais un peu grisâtre (à cause du « Southbank Centre’s Royal Festival hall hall » comme indiqué dans la pochette ?).

Si l’on compare maintenant « Tauben von Gurre! », air de Waltaube dans les deux versions : Monica Grrop chez Salonen, et Hertha Töpper chez Kubelík : c’est encore une fois bien plus animé et vécu chez ce dernier et quelle voix !

Je crois que l’on pourrait poursuivre sans être contredit. 

Pour conclure, l’enregistrement Kubelík est à connaître absolument dans cette œuvre géniale, mais tout de même un peu longuette, et souhaitons qu’un artiste de la classe de Salonen soit effectivement bientôt recruté à Paris…

Here we want to rehabilitate the 2nd complete recording of Schönberg’s Gurrelieder (created in 1913 under Franz Schreker), directed by Kubelik, public record of March 1965, who succeeded to the pioneer René Leibowitz in 1953.

Apparently he directed this work only at this occasion, the difficulty of its representation being due to the dimension of the required workforces, like Mahler’s eighth.

No doubt very popular when released, this version has become non grata to the French critics. We don’t of course have access to all of the further releases and we will just compare with recordings by Leibowitz (1953), Ozawa (1979), which collected unanimous praise by French critics, and Esa-Pekka Salonen (2009).

Let’s start with the extraordinary orchestral prelude. One of the main grievances towards the Kubelik version was the mediocrity of sound: report on CD has improved things, but actually Kubelík has rarely been aided by his commercial recordings, especially for DG: his Slavonic Dances without body, his Mahler without bass, etc. (to a few rare exceptions). Just compare his recordings of Mahler for DG and often adjacent concerts republished by Audite (although there is much to say about the quality of these…  : see ).

This prelude is unquestionably much better made by Kubelík than by the other 3 [and would sometimes suggest Das Klagende Lied, which he has given in concert the best version], except may be Leibowitz, which gives to it a real depth in a very slow tempo. Ozawa, better recorded, gives a gray interpretation, Salonen is more interesting, in a quite Symbolist climate, but a little dull instrumentally: there isn’t here the « luminous empathy », which ultimately is the brand of Kubelík and gives you the « famous thrill« . I will keep only Kubelík and Salonen (life is too short to listen to Chailly, Rattle, Stokowski, Craft, Sinopoli, Gielen, Boulez, Abbado, Levine, Kegel, Ferencsik and I certainly forget some).

Salonen’s recording is very dynamic, well balanced, but slightly greyish (due to the “Southbank Centre’s Royal Festival hall hall « as written in the cover?).

If we now compare « Tauben_von_Gurre!, (Waltaube) in the  two versions: Monica Grrop with Salonen, and Hertha Topper with Kubelik, it is once again much more lively and what a voice! »

I think that could be pursued without being contradicted.

To conclude, the Kubelik recording is to be known absolutely in this great work, (just a little bit long), and we wish that an artist of the class of Salonen could be soon recruited in Paris…

Arnold Schönberg – Die Jakobsleiter

Arnold Schönberg – Die Jakobleister

Kubelik conducts Schönberg's Jakobleister premiere
Kubelik conducts Schönberg’s Jakobleister premiere

Comme pour les œuvres ‘métaphysiques’ de Schönberg telles Moses und AaronModerner PsalmDie Jakobsleiter (1917-1922), est elle restée inachevée, traduisant comme une impossibilité de représenter l’indicible.

Décrite communément comme une œuvre de transition entre l’atonalisme et le sérialisme, elle est basée sur une série de 6 notes, ce qui lui confère une certaine simplicité propre à ne pas trop effrayer le mélomane que l’on cherche ici à convaincre d’apprécier la musique de ce compositeur.

Si Hans Rosbaud en donna des extraits dès 1958, la première mondiale fut donnée en 1961 par les forces de Cologne sous la direction de Raphaël Kubelík, avec un plateau inégalable : Ilse Hollweg, Sopran – Josef Traxel, Tenor  – Julius Patzak, Tenor – Helmut Krebs, Tenor – Thomas Stewart, Bariton – Günter Reich, Bass-Bariton – Hans-Herbert Fiedler, Bass.

On a trouvé sur Youtube, émanant du Arnold Schönberg Center, un extrait de la création à Vienne – ici – que ne diffusent-ils pas le concert entier ? Nous possédons la bande son d’un concert donné l’année suivante à Cologne avec exactement les mêmes interprètes dans un bien meilleur son  ; c’est une œuvre vraiment splendide, variée, prenante.

Pour prendre connaissance de cette partition dans une interprétation de bonne qualité :

s for “metaphysics” works by Schönberg such as Moses und Aaron, Moderner Psalm, Die Jakobsleiter (1917-1922), has it remained unfinished, translating like an impossibility of representing the unspekable.

Described commonly as a work of transition between the atonalism and the serialism, it is based on a series of 6 notes, which confers a certain simplicity suitable to not frighten too much the music lover we  seek here to convince to appreciate the music of this composer.

 If Hans Rosbaud gave extracts since 1958, the world première was given in 1961 by the Cologne forces under the direction of Rafael Kubelík with an incomparable stage: Ilse Hollweg, Sopran – Josef Traxel, Tenor – Julius Patzak, Tenor – Helmut Krebs, Tenor – Thomas Stewart, Bariton – Günter Reich, Bass-Bariton – Hans-Herbert Fiedler, Bass.

We found on Youtube, emanating from the Arnold Schönberg Center, an extract of the creation in Vienna – here – why don’t they diffuse the whole concert? We have the recording of a concert given the following year in Cologne with exactly the same interpreters in a much better sound; it is a really splendid work, varied, fascinating.

To listen to this score, here is an interpretation of good quality (left).